WWW.PDF.KNIGI-X.RU
БЕСПЛАТНАЯ  ИНТЕРНЕТ  БИБЛИОТЕКА - Разные материалы
 

Pages:   || 2 | 3 |

«Материалы Всероссийской студенческой интернет-конференции 23 – 24 апреля 2012 г., Екатеринбург Екатеринбург РГППУ Министерство образования и науки ...»

-- [ Страница 2 ] --

В Екатеринбурге непрерывно идут стройки, в том числе и в центральных районах. Вид города, закованного в броню серых бетонных заборов с такими же серыми бетонными строящимися домами суров, уныл и скучен. Долгое время даже существовал миф о нашем городе, как о городе бесконечных неопрятных заборов.

Заборы – одна из самых старых форм в образе города. Они изначально являлись знаками «присвоенной территории». Существовал стереотип забора, как места, вобравшего в себя непристойные надписи и рисунки. Бороться со стереотипом (как мы помним, стереотип входит в понятие «образа») можно только с помощью образа: позитивного и радостного. Поэтому на новостном сайте «Искусство России» об этом проекте сказано, что длинные истории Екатеринбурга – это серия произведений современного искусства, создаваемая в технике монументальной живописи, суперграфики или граффити, выполняется на бетонных заборах, огораживающих строительные и промышленные объекты в центре Екатеринбурга [2]. Проекты принимаются на конкурсной основе, и работы, прошедшие этот конкурс, претворяются в жизнь на бетонных заборах, окружающих некоторые строительные и промышленные объекты города Екатеринбурга.

Конкурсу уже шесть лет. За это время реализовано 62 художественных проекта: подобные мероприятия пользуются популярностью и привлекают художников. Очень важно, что конкурс предлагает разные «весовые категории» - от мастеров до студентов. Это позволяет участвовать в конкурсе молодым художникам и студентам, желающим проявить себя.



Неудивительно, что у конкурса нет недостатка в проектах. Более того – специфика подачи работ, как «уличных» гарантирует то, что работы увидят и заинтересуются ими гораздо с большей вероятностью, чем, если они красовались в музее. Сам факт, что работу увидит множество людей, которые по самым разным причинам совершенно оторваны от искусства, кроме этого, польза чисто практическая – забор будет покрашен, составляют главные(с точки зрения молодых участников) аргументы проекта. [2].

«Длинные истории» несложно отличить от других работ в стиле граффити или даже монументальной живописи. Во-первых, они расположены действительно на бетонных заборах. Во-вторых, они занимают определенное количество секций забора (от семи до пятидесяти), то есть они «раскадрированы» по типу кинопленки. В-третьих, даже в работах молодых художников достаточно легко улавливается красота произведения искусства, его осмысленность и хорошая техника.

Приведем примеры некоторых работ проекта:

– проект «Коммуналка» (Арт-группа «Несруки»). Он один из наиболее запомнившихся и крупных проектов «Длинных историй-2» тяготеет к примитивизму, советской мультипликации 80-90х годов. Используя пастельные тона, художники добились эффекта «выцветшей пленки» – старого, но любимого мультфильма, засмотренного до неузнаваемости. Особую символичность придало этому проекту то, что расположен он был на заборе по улице Лермонтова, опоясывающем стройку элитного VIP-жилья;

– проект «Оцифровка воды». (Арт-группа «Куда бегут собаки»). Произведение расположено по улице Фурманова между ул. Белинского и Машинной.

Для презентации проекта его авторы прямо на улице установили аппарат для оцифровки воды, который работал на глазах у зрителей и «распечатывал» полученные данные на матричном принтере. Музыкальным сопровождением стали звуки печатающего принтера, которые обрабатывались на компьютере и смешивались с голосами окружающих и сэмплами. Художники объединили работу в пространстве и времени, где объект, воспринимаемый во времени впоследствии будет восприниматься в пространстве, не потеряв первоначального смысла, но добавив новые, не менее интригующие;





– «оil industry worker». (Еще один проект группы «Куда бегут собаки»).

Он развернулся у станции метро Геологическая и Академии народного хозяйства, став символическим выражением случайно сложившейся взаимосвязи объектов. «The Oil Industry Worker» – это мифологическая история, которая создана вместо нефти, которой в городе нет. Как положено мифологической истории, она включает в себя бытописание жизни нефтяников и представляет ее, как и положено, в мифологической практике, от начала и до конца.

Все организаторы проекта считают, что забор как объект недолговечен, непостоянен, обречен на то, чтобы быть по окончании стройки разобранным.

Но именно это делает проект, с одной стороны, ненавязчивым, чувственным событием, позволяющим ощутить течение времени в городе, а с другой, придает «длинным историям» удивительную актуальность: рисунки являются искусством только сегодняшнего дня.

Организаторы стараются максимально расширить тематику сюжетов. Они выбирают темы удивительно широкие для того, чтобы дать художникам выбор сюжетики. Работы эти на самом деле заметны. Многие даже не знают, что расписанные непонятными абстракциями – иногда глупыми, иногда философскими, иногда «высокохудожественными», иногда примитивными – бетонные плиты заборов относятся к одному конкурсному проекту, который стартует каждое лето. Люди обращают внимание и определенным образом реагируют на те «послания», которые пытаются с помощью цвета передать молодые художники.

В целом, у проекта много достоинств: привлечение молодых художников, размещение произведений в общественных городских пространствах, простор для художественной мысли.

Однако при всех достоинствах, в этой области мифологизации не происходит. Большая часть росписей носит иллюстративный характер. Молодые художники самовыражаются, но это самовыражение не добавляет бетонному забору, как объекту, новых смысловых характеристик. Не происходит слияния:

забор остается забором (разве что забором раскрашенным), роспись сохраняет смысл, вложенный в нее художником, и в смысловом поле существует отдельно от забора.

Такой проект не может существовать долго. Он будет жить ровно столько, сколько будет жить первоначальный вложенный в него смысл. Возможно, другие проекты в области монументальной городской живописи и граффити окажутся более удачными в этом плане.

Проекты фестиваля «СтолпоТворение» были также интересны. Авторы, увлеченные идеей мифотворчества, отнеслись идее более, чем серьезно. Они постарались подарить некоторым городским пространствам дополнительные смыслы. Рассмотрим некоторые проекты фестиваля.

В проекте ЕФ ГЦСИ 2006-2007 годов «СтолпоТворение» главным символом стала Свердловская телебашня. Тема руин, останков мощных сооружений всегда была излюбленной темой художников. Недостроенная Свердловская телебашня была выбрана в качестве символа из-за своей приметности (что немаловажно для основы под миф), но также в силу того, что она на тот момент уже являлась знаковым местом («местом памяти»). За период своего существования телебашня успела накопить в себе достаточно смысловых характеристик: «символ разрушенных амбиций», «место собраний экстремалов и самоубийц», «заброшенное место» – провокативный, эпатажный монумент. Башня – уже сама по себе миф, утерявший свое первоначальное значение еще в момент остановки над ней всех строительных работ.

«Мифологический дендрарий». Наиболее масштабный проект, оставивший наибольший след в городских пространствах. (Авторы проекта: Шугуров Павел и арт-сообщество «33+1»). Концепция проекта: возведение Свердловской телебашни (появление энергетической вертикали) изменило экологическую обстановку края. В результате чего начали оживать «самые диковинные растения земли уральской» [1, с. 28]. Гербарий получился достаточно обширный. Форма исполнения: проект нашел реализацию в виде фрески (Свердловскстат, Толмачева 23) и «секретиков» – арт-объектов, расположенных на Аллее Культуры вдоль набережной Исети.

Каждый объект этого проекта, а особенно фреска в силу своей масштабности, привлекает взгляд. Фреска через некоторое время стала знаковым местом: подле нее начали назначать встречи: любоваться ею и додумывать различные собственные смыслы. Однако искусственно созданная мифология оказалась недолговечной, вскоре фреска встроилась в пространство города настолько, что растворилась в нем и перестала быть заметной.

Остальные достойные проекты: «Тени» Андрея Сяйлева (рассредоточенные по городу тени фотографа, «улыбки без кота», «замочные скважины» Олега Горбенко и Ксении Чистяковой (арт-объекты, позволяющие увидеть городские пространства в самых неожиданных и необычных ракурсах) и т.д.) Завершался проект опен-эйром, в котором приняли участие Сергей Лаушкин, арт-группа «Суп и облака», группа «А-ять», художники и музыканты тюменской «Пакс-студии».

Почему же все-таки проект оказался очень тяжелым в плане организационном: «по числу технических накладок» и незаслуженно забыт?

С точки зрения мифологизации пространства в данном случае получается, что мы говорим о создании нового мифа с помощью уже существующего. Или это попытка придания старому мифу новых возможностей? Скорее – второе.

Наработки участников фестиваля оказались вплетены в один из пластов множественных реальностей башни. Башня, как уже устоявшийся миф, поглотила дополнительные характеристики, которые ей дали эти проекты, тем самым приобретя больший вес в мифологическом пространстве Екатеринбурга. Фреска и «секретики» – действительно оказались ее «детками», потому что расширяют репрезентативные представления о башне, дополняют ее мифический облик.

2. Особо значимым мероприятием является фестиваль АRТ-завод 2009 – «беспрецедентное для Екатеринбурга взаимодействие современного искусства и промышленности, художественное переосмысление темы заводов и индустриальной реальности» – сообщается на официальном сайте ЕФ ГЦСИ. Это первый в нашем городе фестиваль, в котором организаторы используют индустриальное прошлое региона, чтобы создать будущее. Основная идея фестиваля:

взаимодействие искусства с промышленными территориями. Завод, – по мнению организаторов, – зона созидания и эксперимента, который лежит в основании технического прогресса. Задача художника – проявить смысл невидимых свойств материального, озвучить и расцветить производственные формулы.

Материал восстает и находит выражение своих свойств в новых формах, далеких от какого-либо практического назначения. Чтобы оценить «эффекты материала», зритель вступает в непосредственный контакт с индустриальной средой и ее динамикой.

Исходя из того, что мы подразумеваем под формой (обозначаем термином «форма») – заводы попадают под эту категорию. Однако они сами по себе занимают не только достаточно большую территорию как в городе Екатеринбурге, так и составляют довольно внушительную часть всего уральского региона. Эти огромные пространства в пространстве, если можно так сказать.

В настоящее время эти предприятия постепенно утрачивают свое индустриальное значение: разоряются, закрываются, прекращают свою работу – и пустуют. Однако, особенно в таких старых индустриальных городах, как Екатеринбург, они занимают достаточно большие территории, в том числе и городского пространства.

Рассматривая пример «ART-завода», мы можем с уверенностью говорить о попытке создания городского пространственного мифа. Поскольку мероприятие проводится в стенах завода ежегодно, можно утверждать, что пространство завода помимо своего первоначального смысла (завод как предприятие) получает новые семиотические характеристики. Как то: «завод – зона эксперимента» или «завод – это место производства искусства». По сути, пространство завода под влиянием мероприятия приобретает статус «знакового места».

В первой главе мы упоминали также о возможности проверки истинности наличия мифов и его устойчивости. В трактовке мифа как сообщения о пространстве мы указывали, что это такое слово, которое формирует вокруг себя определенный контекст признаков места – а именно цельной системе представлений об этом месте.

Учитывая, что контент выставки с каждым годом становится все более интересным и разнообразным, что количество участников и посетителей растет, можно сделать вывод, что пространство завода постепенно начинает аккумулировать представления о себе, как о знаковом месте, определенном символе в рамках своего метапространства (город Екатеринбург).

Такая форма может оказаться хорошей учебной практикой для Екатеринбурга. Доктор философских наук Лев Закс считает, что во многих промышленных городах Европы бывшие цеха и заводы превращены в зоны искусства. Художественное производство пришло на смену техническому производству. Мы должны идти этим же путем.

Именно этот путь способен сильно повлиять на изменение облика города как во внешнем (улучшение отдаленных районов за счет «окультуривания» территорий), так и во внутреннем смысле (создание определенного имиджа). Это «startup», распознание ценности которого произойдет лишь спустя какое-то время.

Города Европы, города европейской части России, среди которых обе российские столицы имеют в себе еще одну характеристику городской мифологемы – ее упоительную таинственность. У этих городов несколько лиц и образов, но народное сознание не оставляет равнодушным именно этот «таинственный образ». Санкт-Петербург Достоевского. Москва Булгакова. Сочетание бытовых и понятных образов с «магией места». В этом состоит основная роль использования мифологемы.

Екатеринбург – молодой город. Он лишен цельной мифологической составляющей. Однако, необходимо отметить, что сфера искусства им еще не освоена. В Екатеринбурге сосредотачивается очень небольшое и пока нерегулярное количество событий в сфере культуры и искусства. На городских территориях немного арт-объектов, способных привлечь зрителя. Существующие на настоящий момент такие произведения находят самый положительный отклик у горожан.

Екатеринбург уже сделал шаг навстречу новому будущему, и сейчас он находится в самом начале пути развития творческих индустрий. Городу необходим новый образ, облик, и именно жители города: художники, критики, предприниматели, государственные деятели и обычные горожане – задают тренды, задают импульс для дальнейшего развития.

Проникновение в сферу массового городского сознания, в мифологические парадигмы городских пространств позволяет облегчить вхождение города в сферу искусства и культуры. Выявление закономерностей городского мифа является эффективным способом, одной из наиболее важных ступеней в создании культурного, интересного, «таинственного» образа города.

Проблема включения искусства в пространство города и города – в пространство искусства в настоящее время актуальна. В условиях конкуренции городов современное искусство становится одним из важных факторов формирования образа города, повышения его статуса, а потому так важно решить проблему взаимоотношения искусства и городского пространства.

Современное искусство использует множество самых разных подходов к решению проблемы органичного существования его на городских территориях.

В число этих подходов входят, прежде всего, взаимодействия произведения и пространства:

– наполнение старого пространства новой формой;

– наполнение старого пространства новым смыслом;

– наполнение старой формы новым или дополнительным смыслом.

В настоящий момент наиболее интересной и продуктивной является мифологизация как метод, подразумевающий наполнение формы или пространства новым смыслом.

Таким образом, современное искусство, существующее на территории города Екатеринбурга, тяготеет к мифологизации пространства. Арт-объекты, форма и содержание которых оказались соразмерны среде, приобрели статус знаковых мест города, и в настоящее время привлекают к себе зрителей. Кроме того, такие арт-объекты облагораживают пространство вокруг себя, вбирая в себя характеристики этого пространства.

Мифологизация, как один из подходов в современном искусстве, влияет на создание цельного образа города. Искусство, апеллируя к мифологическому пространству города, вносит свой вклад в развитие образа города посредством отбора средств и метафор, с помощью которых этот образ будет рождаться и развиваться, а также выполняет функцию синтеза: создания, отбора, уточнения и переосмысления основных знаков и символов, формирующих представление о городе.

Екатеринбург уже сделал шаг навстречу новому будущему, и сейчас он находится в самом начале пути развития творческих индустрий. Городу необходим новый образ, облик, и именно жители города: художники, критики, предприниматели, государственные деятели и обычные горожане – задают тренды, задают импульс для дальнейшего развития.

Библиографический список

1. Булатова С. Про страстотерпцев, чудотворцев и поганый столб / С.

Булатова // ZAART. 2007. – № 15.

2..Екатеринбург. Искусство России [Электронный ресурс]. – Режим доступа: http://www.gif.ru/actions/long-stories/.

3. Молоков А. Моя улица Вайнера [Электронный ресурс]/А. Молоков//Уральский архитектурный портал. Режим доступа:

http://arch66.ru/articles/9/13.

А. А. Махнев, Е. А. Шмуль, А. К. Махнева (науч. рук. М.В. Семенова)

РОЛЬ КУЛЬТУРЫ В РАЗВИТИИ ТЕРРИТОРИЙ

Странная игра в понятия происходит в нынешнем мире. Заглянув в прошлое на многие века назад, современный человек, наверное, удивился бы тому, какое сакральное значение наши предки придавали своей культуре. Они берегли ее, защищали, с любовью передавали сначала в устной, а затем и в письменной форме на поколения вперед, создавали ее атрибуты и историю.

Культуры, вливаясь одна в другую, переплавляясь и трансформируясь, все более отдалялись от смысла, первоначально вкладываемого в этот термин.

Более того, с течением лет, появилось множество трактовок, слово становилось многозначным, хотя полного и точного определения (равно как и в отношении других глобальных понятий) никто дать так и не смог. И вот итог: современный мир уже не может похвастаться количеством бытующих в нем культур. На мой взгляд, те ученые, кто считает, что на определенном этапе развития человечества культура угасает, уступая место цивилизации, не совсем правы. Культура не может вымереть, как популяция дубов Бирманского леса или племя обров (аваров). Почему? Да потому, что из века в век на каком-то генетическом уровне сохраняющаяся потребность беречь свою культуру дает о себе знать.

Однако, сберегая культуру, люди не задумываются о том, что в настоящее время она стала настолько же монолитной, насколько безнациональной. В современном мире мы говорим о Европейской или Западной культуре, Восточной культуре, – и где-то посредине болтается Россия, так до конца и не определившись, имеет она собственную культуру или относит себя к какому-либо из полюсов (с утверждением о существовании отдельно Американской культуры я не согласна, так как, с моей точки зрения, она в большинстве своем состоит из культуры европейской и лишь малую часть ее составляет культура коренных обитателей континента). И здесь возникает парадокс: признанные шедевры, принадлежащие одной стране или области, одновременно становятся достоянием всего человечества. А тут мы возвращаемся к первоначалу – тем самым разрозненным первобытным племенам, культура которых обособлена и отлична от остальных, но на ином уровне. На территории любого из народов земного шара содержится определенная доля сохраненных ценностей, которые представляют интерес для остальных. Для того, чтобы увидеть Джоконду, люди стекаются со всего света в Лувр, во Францию. Лувр – хранитель мировой культурной ценности, а значит, имеет право зарабатывать на этом статусе (кстати, на мой взгляд, именно благодаря количеству мировых культурных ценностей он имеет статус мирового музея).

Атрибуты культуры, иначе – ее достижения, ценятся в современном мире чрезвычайно высоко. Человечество, вступив в фазу постиндустриального или информационного общества, на первое место в своей жизни ставит впечатления. Они необходимы, чтобы человек чувствовал себя счастливым, реализованным, состоятельным. В общем: «Увидеть Париж и умереть!» Ранее культурные ценности не так заботили людей (а Екатерина Великая вообще обклеивала ими столовую), они носили скорее бытовой, чем сакральный характер. Ведь даже в Средние Века церковь была, прежде всего, церковью, а не произведением искусства; духовной ценностью выступал храм, а его убранство носило скорее утилитарный характер, так использовалось с одной целью – воздействие на прихожанина. Сейчас для туриста в Париже Нотр-Дам де Пари, к примеру, важен не как храм, но как музей, и многие церкви превращены именно в музеи, потому что на впечатлениях туристов сейчас заработать легче, чем проводить службы и поддерживаться за счет государства. Все это приводит к тому, что многие достижения культуры оцениваются иначе, приобретают сакральный оттенок как произведения именно в этой сфере. Вследствие этого культура становится очень мощным полем для вложения капитала.

Трагедия современного мира заключаются в том, что человечество при всем развитии новых всемогущих технологий, позволяющих воплотить практически любой замысел, бессильно в произведении на свет новых идей. И дело совсем не в том, что в двадцатом веке фактор времени еще не действует, а в том, что даже сейчас не появляется «мировых шедевров», все больше – какието локальные. Когда культура в двадцатом веке превращается в столь мощный экономический фактор, эти локальные «шедевры» начинают биться за статус мировых, что еще более усиливает конкуренцию, создает поле для конфликтов и повышает интерес к культурной жизни. Именно произведения современности дают толчок к неожиданным решениям, пробуждению новых талантов, открытиям неизвестных широкому кругу зрителей национальных культурных особенностей. Места, не хранящие мировых шедевров, но умеющие увлечь своей современной культурной жизнью, приобретают статус туристических центров.

Культурная жизнь в современном обществе становится второй после политической. Двойственное положение мировых культурных ценностей задает тон в развитии территорий, которым эти ценности принадлежат исторически.

Человечество в погоне за впечатлениями направляет свои стопы в те места, где ценности эти находятся. Как следствие, непрекращающийся поток туристов в культурные столицы мира: Лондон, Париж, Рим, Стамбул, Вена, Петербург – а также в те места, которые благодаря развитию современной культурной жизни зарекомендовали себя как интересные туристические центры: Нью-Йорк, Риоде-Жанейро, остров Готланд, Сидней и др.

Страна или город, даже не претендующие на звание туристического центра, борются за сохранение и повышение своего культурного уровня. В каждой крепкой деревне стоит как минимум одна вековая церковь, которую можно с помощью соответствующей рекламы определить как культурную ценность.

Отсюда, с моей точки зрения, возникает важная проблема: спекуляция на национальных культурных ценностях региона. Эта составляющая городской жизни активно используется в политических и экономических интересах. Примеров подобного использования великое множество, в том числе и на Урале.

Зачастую обыватели их не замечают, потому что спекуляция принимает самые невинные, простейшие формы, такие как: магнитики с изображением видов города; изделия из уральского малахита (мало кто знает, что его запасы на Урале исчерпаны); стилизованные каменные горки и многое другое. Более продвинутая, но и более тонкая ступень в развитии этой темы – это создание мифа о культуре территории. Например, в сказах Бажова есть упоминание о Каменной чаше, которую пытался вырубить из цельного куска малахита Данила-мастер.

До сих пор существует миф о том, что на Урале удивительные залежи этого поделочного камня (в действительности, малахит используют для камерных изделий, ничего крупного из него не вырежешь). Нельзя однозначно сказать, целесообразно ли развитие культурных индустрий в этом направлении (имеется в виду спекуляция на национальных ценностях), но факт существует и занимает в экономике региона определенный пласт. Я не думаю, что мелкие и средние предприниматели готовы отказаться от этого фактора в своей деятельности.

В противовес «официальной» культуре, нацеленной на культивацию «безусловных» ценностей, стихийно в городской среде создается направление «андеграунд» (underground). Это различный городской и сельский фольклор, молодежные субкультуры, творческие организации. Здесь тоже происходят важные для развития региона процессы. Именно в этой среде впервые заявляют о себе молодые художники, поэты и актеры – те, кто в будущем может реализовать себя в элитарных слоях общества. К этой категории принадлежит и шумное студенчество, поэтому город, где существует более трех ВУЗов (здесь имеем в виду ректорат, а не филиалы), скорее всего, обладает большим культурным потенциалом.

В студенческой среде развиваются различные молодежные движения, которые могут оказать влияние и на продвижение территории. В частности, у многих молодых людей сейчас возникает интерес к реконструкторской деятельности и ролевым играм, и так же пропорционально – неприятие этого движения большой частью населения. На наш взгляд, в культуру Уральского региона эти тяжелые отношения вносят только негативный вклад. В таком случае помощь государства в вопросах их урегулирования (спонсорская помощь в проведении фестивалей, игр; снижение конфликтных ситуаций, выделение помещений) пойдет на пользу региону. В этой среде, как ни в одной другой встречаются талантливые ребята, способные создавать целые спектакли на ходу, красочные шоу и шествия. Проходящий в Казани ежегодный ролевой фестиваль сильно поднимает статус города, в котором раз в год на неделю карнавал выплескивается прямо на улицы. Действие незабываемое! Отношение обывателей к участникам фестиваля положительное, в магазинах и столовых в эпицентре – самое горячее время. В уральском регионе остался один фестиваль подобного плана, который проводится на турбазе за городом. Обыватели не заинтересованы в действии, государство относится неодобрительно, а потому в Екатеринбурге не создают подобных зрелищ. При поддержке спонсоров ситуацию можно повернуть в нужное для обеих сторон русло. Например, в тематику фестиваля включать региональные мотивы (те же сказы Бажова). Ролевые и «реконструкторские» клубы могут сотрудничать с музеями, детскими садами и центрами, помогать в организации городских фестивалей, так как умеют обеспечивать качественный интерактив.

Другое достоинство культуры андеграунда – городской фольклор. На практике он оказывается более живучим, чем какие-либо официально опровергающие его источники. К современному фольклору можно отнести и знаменитое Лох-Несское чудовище, которое вызвало множество споров и теорий именно в двадцатом веке, а сейчас озеро Лох-Несс является достопримечательностью именно вследствие развития легенды, дополнения ее новыми фактами.

Городской фольклор имеет еще одно серьезное значение. Он перерабатывает идеи, предлагаемые государственной программой (музеями, театрами, Министерством культуры). Именно таким образом массы отбирают из множества предлагаемых официальной культурой вариантов свои «национальные»

ценности. Примером может служить знаменитая «Варежка» в городе Екатеринбурге. Есть люди (приезжие и не только), которые не знают, где находится памятник первому добровольческому танковому корпусу Уралмаша. Зато почти любой тебе покажет, где стоит «Варежка», и уж тем меньшее количество людей знает, что эти названия являются топонимами. В народном сознании этот памятник не является ценностью культурной, но является другой ценностью – это место встреч, одно из самых известных в городе. Более скандальная история произошла чуть менее века назад со скульптурами С. Д. Эрьзи, в частности с печально известной скульптурой «Освобожденный труд», которую в народе прозвали «Ванька голый». Стихийно возникающие в городской среде, легенды и другие фольклорные элементы влияют на официальную культурную программу, вступая с ней в симбиоз, меняя ее структуру. Эту особенность массового сознания, как правило, учитывают предприниматели, предлагающие товар, с одной стороны выгодный пропаганде национальной/региональной культуры, но одновременно близкий и понятный народу (в качестве примера можно привести модные сейчас футболки с надписями: «Мы с Урала» или «Мы из Екатеринбурга»).

Городской фольклор можно и нужно использовать для поднятия статуса города. Сейчас большой популярностью пользуется всевозможная художественная литература, основанная на городской мифологии (Панов «Тайный город», Лукьяненко «Ночной дозор» и др.). На этой волне реальные истории «о городе, в котором мы живем», будут также пользоваться успехом. В Екатеринбурге уже возникали проекты сбора городских легенд и их публикации (последний, если я не ошибаюсь, выдвигало информационное агентство «Апельсин», в виде создания Интернет-портала). Я думаю, что сама идея чрезвычайно занимательна и вызовет интерес не только у жителей Екатеринбурга, но и у других людей. Можно также объединить несколько городов и создать региональный проект, что только повысит его значимость, и появится возможность использовать его для привлечения туристов. Городской фольклор получает развитие не только в публикациях. Он выдвигается как объединяющая тема для молодежных арт-фестивалей. Известное в Екатеринбурге «СтолпоТворение»

привлекло множество людей, не только увлеченных искусством, но и просто горожан.

Исходя из вышесказанного, очевидно, что тема городского фольклора богата, практически неисчерпаема, а потому необходима для стимуляции творчества: она поощряет интерес молодежи к изучению истории родного города и региона.

На почве синтеза официальной и народной культуры возникают «культурные идолы» – неоспоримые ценности, предлагаемые государством и одобренные массовым сознанием. Они служат не только ради объединения местного населения, но и в экономических и политических целях. Иногда основу экономики городов и регионов в большей части составляют доходы от туристических сезонов. Как правило, такой город имеет одного культурного идола, иначе его можно назвать – брэнд (для региона характерно несколько таких точек, которые вместе образуют туристическую программу). Идолом может стать родившийся/умерший в городе композитор/писатель/поэт с мировым именем (для Ялты – это Чехов, для Зальцбурга – Моцарт); крупный фестиваль с длинной историей и хорошей репутацией (карнавалы в Рио, Венеции, фестиваль в Визби, «Документа» в Касселе); славное прошлое города (старые города и замки Европы). Даже если туризм не лежит в основе экономики, он нередко составляет какую-либо ее часть. Наличие в городе хороших театров, модных галерей, известных памятников приносит определенный доход даже старым индустриальным городам.

Такие идолы государство культивирует, а народный фольклор создает мифы. Долгое время таким мифом уральского региона был Каслинский павильон, взявший на Всемирной Парижской выставке 1900 года Гран-при. Уральское региональное сознание объединено уникальными произведениями декоративно-прикладного искусства, однако для каждого города характерны свои достижения в этой области: Нижнетагильские расписные подносы, Златоустовская гравюра по металлу, Каслинское чугунное литье и др. Правило действует и в обратную сторону. Несколько десятилетий назад в городе Екатеринбурге существовали попытки создать миф об усадьбе Харитоновых-Расторгуевых. Говорили, что под Вознесенским парком находятся тайные ходы, а в середине лабиринта находится сокровище. Даже создавались тексты о том, что по этим ходам можно попасть в ад, ходили слухи, что ротонда в центре парка – место сборищ нечистой силы. Парк перекопали еще в семидесятых, сокровищ не нашли, и легенда заглохла. При всей культивации народное сознание ее не приняло. Культурный идол не создается за год или два. Нужны десятилетия, чтобы он вжился в облик региона. Лишь когда единожды запущенный механизм рекламы будет работать без толчков со стороны государства, т. е. управляться массовым сознанием и поддерживаться молодежными субкультурами, можно будет считать, что рекламируемая ценность стала идолом.

Екатеринбург – старый индустриальный город, в котором никогда не стояли задачи стать туристическим центром. Однако в настоящее время культурный фактор возрос настолько, что необходимость в нем возникает и на Урале. Между тем, уральский регион, и особенно его столица, находятся в очень удобном геополитическом положении: на перекрестке Западной и Восточной культур. Не зря же именно по Уральским горам проходит граница между Европой и Азией. Однако при этом культура региона остается самобытной, имеет свою развитую «горную» мифологию и синтезирует с удобством для себя все, что заимствует из других культур. Эта основа «мирового перекрестка» очень выигрышна, так как исчерпать ее чрезвычайно сложно, она может наполняться каждый раз новым содержанием, не меняясь в корне. Екатеринбург может очень долго использовать свою географию для повышения своего культурного статуса.

Сфера культуры и искусства в современном мире очень богата. Вступая в симбиоз с экономикой и политикой, она развивается, проникает в другие сферы жизни и способствует их развитию. Сейчас именно культурная планка является основной в оценке уровня человека. Престижно вкладывать деньги в памятники старины, театры, музеи, фестивали. Культурные мероприятия служат дополнительной рекламой для своих спонсоров. В городской же среде культурный уровень человека почти самоценен. Именно он обеспечивает продвижение в карьере молодых специалистов, стимулирует бурный рост молодежных субкультур и их креативных возможностей.

Культурные ресурсы более других оказывают влияние на развитие городской среды. В больших городах довольно крупный сектор экономики занимает сфера туристических услуг. Бывшие индустриальные города в настоящее время постепенно перестраивают бюджет в пользу развития культуры, это объясняется повышенным интересом к национальному искусству как меценатов и спонсоров, так и обывателей. Город, претендующий на роль культурного центра, обеспечивает себе поток приезжающих. Как следствие, он растет в территориальном и экономическом плане. Развитие культуры в городской среде выгодно не только властям, но и жителям, так как на этой почве происходит объединение горожан, стимулируется рост молодежных субкультур, облегчается поиск молодых талантов.

А. К. Махнева (науч. рук. М.В. Семенова)

ИСКУССТВО БЫТЬ ЖЕНЩИНОЙ

В современной жизни мы тяготеем к многозначности слов и терминов. Но даже в более ранние времена, произнося термин «искусство» мы обязательно обращались к контексту, т.к. для понятия «искусство» существует множество определений. «Искусство — форма творчества, способ духовной самореализации человека посредством чувственно-выразительных средств (звука, пластики тела, рисунка, слова, цвета, света, природного материала и т.д.)»[1]. «Искусство

- творческое отражение, воспроизведение действительности в художественных образах» [2]. В современных словарях понятие искусство рассматривается как (ст.-слав, искоусити от кусить, праслав. kusiti из готск. kausjan) — опытные знания, навыки и умения; то, что делается мастерски, искусно (от искус — опыт, проба; искушение — испытание).

А быть женщиной – это искусство?

Это интересный и сложный вопрос, на который невозможно ответить однозначно. Например, когда мы берем в руки книгу, написанную на данную тему, чаще всего видим название: «искусство быть женщиной». Не мужчиной, не девушкой, а именно женщиной. Скорее всего, это связано с традицией: издавна считалось, что женщина обладает не только своеобразными умственными способностями, но и женской мудростью. При этом ее важное качество и добродетель: во всем угождать мужу и не мешать ему. Долгое время этот стереотип оказывал свое влияние на женский образ.

Этому примеры - великолепные портреты предшествующих эпох изображают женщину, как драгоценность, как самый ценный приз, который мужчина может завоевать в этом мире.

Не случайно известным поэтом Николаем Заболоцким написаны следующие строки:

«Ее глаза как – два тумана, Полуулыбка, полуплач, Ее глаза – как два обмана, Покрытых мглою неудач».

При этом, женщина, воспетая поэтами и прославленная художниками, скромно и с достоинством принимала поклонение и восхищение, не забывая рожать детей, содержать дом и уступать главенство в большинстве сфер жизни мужу.

Однако XX век кардинально меняет отношение к отечественной традиционной культуре: разрушаются привычные устои, правила, изменяются представления, ценности. Современные психологи и псевдо-психологи пишут, что сегодня быть женщиной – это искусство. Всвязи с этим разработано и разрабатывается множество тренингов, посвященных проблеме осознания женской сути и поиску себя, как женщины. Возникают и обретают популярность такие книги: Р. Грейвса («Белая Богиня. Историческая грамматика поэтической мифологии»), К. Эстес («Бегущая с волками») и др.

Иными словами, если в предшествующих веках, основанных на традиционных культурах, представление об «искусстве быть женщиной» было ясным, в настоящее время понятие об этом загадочном «искусстве» имеет довольно расплывчатую природу.

Откуда берется и как создается образ современной женщины?

Один из отцов-основателей современного искусства Энди Уорхол создал один из своих первых шедевров – «Диптих Мэрилин». «Диптих Мерлин первоначально предполагался, как комментарий жизни и смерти актрисы, хотя цветная часть диптиха «жизнь» более известна» [3]. Яркость и сумасбродность жизни актрисы тем более в контрасте с ее смертью послужила толчком к созданию образа современной женщины. Не случайно наиболее популярной является «яркая» часть диптиха.

Исследователи считают, что 1970-е гг. - это одновременно и популяризация постструктуралистской концепции «смерти автора», и становление феминистского искусствознания, занятого первоначально поиском места для женщинхудожников в структуре художественной жизни и истории искусства». Возникает «группа влияния» под названием «Художницы бунтуют» (Women Artists in Revolution, сокращенно WAR), протестующая против дискриминации женщин на ежегодных экспозициях в Музее Уитни. Члены группы ратовали за то, чтобы процент участниц был повышен с 7 до 50 процентов. В дальнейшем они предприняли шаги по организации собственных выставок и галерей. И уж конечно, нельзя обойти вниманием художницу Линду Бенглис, которая демонстративным жестом бросила в 1974 вызов мужскому сообществу: сделала ряд фотографий, где, позируя как модель, пародировала типично мужской взгляд на женщин.

Все эти действия можно с успехом назвать, как причиной, так и следствием нового, сложившегося во второй половине XX века образа женщины: жесткой, агрессивной, холодной, женщины-карьеристки.

В современном обществе граница между мужчиной и женщиной все больше стирается под натиском громких слов о равноправии мужчин и женщин. Скорее всего, на эти процессы влияет и то, что женщины освоили профессии мужчин: нередко (в нашей стране) мы видим, как женщины передвигают и ремонтируют шпалы, как женщины надрываются от тяжести, передвигая какие-либо железные, медные или стальные пластины. Вот минусы равноправия в отношениях между мужчинами и женщинами. Но мы так же не забываем такие профессии, как парикмахер, повар, учитель, педагог и т. д., все эти профессии были истинно мужскими раньше, теперь же этими профессиями занимаются и женщины.

В результате мы наблюдаем, что изящная, грациозная, слабая, женственная и беззащитная девушка в современном обществе превратилась в жесткую, всесильную, волевую, азартную, рискованную особу женского пола. И о женской мудрости почему-то вспоминают лишь в браке, причем чаще всего не в первом, а во втором или даже в третьем.

В связи с изменением образа женщины изменяется и облик современного мужчины. Когда появились «мужеподобные» женщины, все больше стало мужчин с женским характером. Если раньше были «домохозяйки», то сейчас появились и «домохозяины». Это типичный признак изменения гендерных ролей, установленных веками в традиционных культурах.

Вследствие этого, военные снова «входят в моду», именно этот мужской образ и облик пока сохраняет мужественность и сила, поступки и настойчивость. Пока женщины зарабатывают, мужчины дома выполняют женскую работу. Когда женщины вырабатывают в себе стальной характер, мужчины начинают плакать и жаловаться, приобретая женские черты характера.

К чему мы пришли? К тому, что «все мы тоскуем по-первозданному».

Культура предлагает не слишком большой выбор противоядий от этой тоски.

Нас научили стыдиться таких влечений. Мы отпустили длинные волосы и привыкли скрывать под ними свои чувства. Но днем и ночью за нашей спиной таится тень Первозданной Дикой Женщины. Где бы мы ни ступали, эта тень крадется следом и – определенно – опирается на четыре лапы» [4].

В своей эволюции понятие «женственность» зашло в тупик и попыталось вернуться к первоначалу. Однако современная мода (мода связана с искусством, но именно она задает тон и влияет на жизнь и характер современного человека) диктует собственные правила и не собирается уступать.

В предшествующих поколениях в большой моде были ухаживания, изысканные комплименты, возведение поэтами женщину на пьедестал славы и любви, восхваление женщины, как прекрасной и божественной.

Нынешние стереотипы опускают образ женщины до объекта прибыли и покупки. А возможно женщина стала расцениваться, как товар, когда между мужчинами и женщинами в личной сфере стали появляться рыночные отношения.

К примеру, философ Эрих Фромм писал, что в современном обществе между мужчинами и женщинами стали появляться рыночные отношения. Человеческие отношения, считал он, в сущности, являются отношениями отчужденных автоматов, каждый из которых основывает свою безопасность на том, чтобы держаться поближе к стаду и не отличаться от других в мысли, чувстве или действии.

Иными словами, когда девушка расстается с парнем, она сразу обдумывает качества какого парня она хочет найти, т. е составляет образ, обдумывает характер, все его плюсы и минусы. Это можно сравнить с походом в магазин, когда мы тщательно продумываем, какую кофточку мы хотим приобрести (цвет, ткань, отделка). Прямое сходства с тем, как мы продумываем будущего молодого человека, а точнее его образ.

Однако, настоящая женщина выше этого. Ее искусство в том, чтобы, не пытаясь противостоять современной моде, сохранить себя, подать себя, вернув прежние времена: как сокровище, как драгоценное вино. «Быть женщиной – это искусство. Она должна принадлежать своему мужчине. И при этом оставаться личностью» - пишет психолог А. Волкова.

Только поняв, что именно необходимо возвращать, появляется надежда, что утраченное вернуть возможно: снова развить в себе женскую мудрость, интуицию, и возможно, на более высоком уровне, чем раньше. Однако нельзя забывать о том, что женщины немало приобрели в ходе эволюции: к примеру, право отстаивать собственные интеллектуальные способности наравне с мужчинами. Кроме того, женщины приобрели юмор, который умело используют, и умение постоять за себя без мужчины, и быть слабой рядом с защитником.

Библиографический список

1. Философская энциклопедия [Электронный ресурс]. Режим доступа:

http://dic.academic.ru.

2. Толковый словарь Ожегова [Электронный ресурс]. Режим доступа:

http://slovari.299.ru.

3. Нечиненный А. Стили современного искусства в дизайне логотипа / А.

Нечиненный // Журнал изящных искусств. Январь, 2010.

4. Эстес К. Бегущая с волками. Женских архетип в мифах и сказаниях.

Москва: Гелиос, 2002.

А. В. Мелешко (науч. рук. Н.А.

Фатеева)

КОМПЬЮТЕРНОЕ ИСКУССТВО:

ГЕДОНИЗМ ИЛИ КОММЕРЧЕСКИЙ УСПЕХ

Вступление в новое, более развитое, постмодернистское общество изменило ценности человеческого творчества. Образ романтически-настроенного живописца, которого бы мы встретили несколькими столетиями ранее, потерял свою актуальность. Современного художника мы представляем иначе. Он – дизайнер, чье искусство противоречиво и, тем самым, может быть воспринято не всеми в равной степени одинаково. Он независим от мнения большинства. Его окружают вещи, значительно облегчающие жизнь повседневности. Все вышеперечисленные суждения ставят художника современности в более выгодное положение, нежели художника древности, делают его материально обеспеченным, принуждая творить ради накопления имеющегося богатства. Это всерьез заставляет задуматься над проблемой назначения искусства в современном мире и подчеркивает актуальность этой проблемы.

В настоящее время большой популярностью пользуется компьютерное искусство, являющееся одним из перспективных направлений современного творчества. Как и любое художественное творчество, компьютерное искусство, получившее широкое распространение в эпоху постмодернизма, включает в себя множество ролей. Среди большого числа немаловажных функций, гедонистическая функция и функция компьютерного искусства в виде товара являются, на наш взгляд, наиболее важными. На основании этого возникает вопрос: какую из этих целей, в первую очередь, преследует компьютерный дизайнер, проектируя свои концептуальные замыслы: получить наслаждение от творческого процесса и конечного результата или извлечь выгоду для себя. Что есть компьютерное искусство для современного дизайнера: гедонизм или коммерческий успех?

Компьютерное искусство - это творческая деятельность, основанная на использовании информационных, компьютерных технологий, результатом которой являются художественные произведения в цифровой форме. В это понятие следует включать как произведения традиционного искусства, перенесенные на цифровую основу, так и принципиально новые произведения, созданные посредством компьютерной среды. На данном этапе развития творческой деятельности, это направление является более новым, интересным, перспективным и материально выгодным. Не исключается и получение дизайнером художественного наслаждения полученного в результате успешности дизайн – проекта.

Это понятие имеет общенаучный термин - гедонизм. Под гедонизмом мы понимаем этическое учение, согласно которому удовольствие является главной добродетелью, высшим благом и целью жизни. Здесь имеет место психологический гедонизм, подразумевающий гипотезу о стремлении человека увеличить собственные радости. В данном контексте следует рассматривать гедонизм с точки зрения наслаждения, порождаемого произведением искусства.

Итак, рассмотрим два противоположных взгляда на значение компьютерного искусства в жизни современного дизайнера – художника.

С одной стороны, компьютерное искусство – это гедонизм. Ставить под сомнение данную гипотезу трудно. Без гедонистической функции дизайнеру не реализовать задуманный проект. Удовольствие, полученное от своего дела – непременное условие воплощения смелой задумки в существующий реально, материальный объект. «Если нет большого подъема душевного, невозможно писать художественное»[1, с. 170] – слова известного русского писателя Л.Н.Толстого, полностью отражающие идею художественного наслаждения, как высшую цель любого творчества. Сочетание слов «писать художественное», упомянутые писателем можно распространять на любой вид творческой деятельности.

Иначе говоря, компьютерный дизайнер, решая изобразить нечто эстетически – художественное, думает о результате своей деятельности, хочет увидеть нечто гармоничное и правильное, стремится усовершенствовать свои творческие способности и убедиться в прогрессивности своей деятельности.

Искусство самой своей природой призвано пробуждать в человеке это удивительное состояние, которое называется художественным наслаждением.

Если дизайнер не получил удовлетворение и радость от проделанной работы, то, вероятно, его творение не найдет отклика и у публики. А это станет показателем того, что произведение не обладает подлинной художественной ценностью, тем самым поставив под сомнение художественные способности автора и необходимость существования его работ.

Французский писатель и общественный деятель Ромен Роллан считал, что высшее наслаждение, знакомое каждому художнику в минуты творчества: пока он творит, он перестает быть рабом желаний и тоски, – он сам их господин; и все, что причиняло ему радость, и все, что причиняло ему горе, – отныне лишь проявление его свободной воли[2]. Это высказывание доказывает, что работа, которая доставляет наслаждение, становится для дизайнера проявлением его собственных желаний. При этом он руководствуется лишь собственным мнением и возможностями. Все эмоции, которые художник может испытывать в момент творения, находят отражение в самом произведении, выражая неповторимый, оригинальный взгляд автора. Именно в таких новых, свежих и концептуальных идеях нуждается современное искусство.

С другой стороны, компьютерное искусство можно характеризовать с точки зрения его коммерческой направленности. Этот аспект становится актуальным именно в эпоху постмодернизма. Акция продажи произведения искусства, превращение его в товар, не вытекает из природы художественного творчества, хотя в условиях капиталистического общества включение мира искусства в сферу товарных отношений является средством регулирования циркуляции художественных ценностей, регулирования, которому противится природа искусства. Иными словами, происходит рост утилитарности, функциональности и нацеленности на коммерцию, в то время как немотивированное искусство и его использование в символических целях становится все более редким. В действительности, искусство теряет свою эстетическую ценность. Дизайнеру важнее заинтересовать покупателя своим проектом, нежели руководствуясь некими собственными принципами и взглядами, достичь высшей степени наслаждения.

Конечно, неоспорим тот факт, что свежесть и неординарность идей дизайнера будет иметь больший успех на арт-рынке, а, как известно, концептуальные, неповторимые замыслы приносят своему создателю немалое удовлетворение. Но в настоящий момент можно встретить все больше компьютерных мастеров, слепо исполняющих желание заказчика, в душе протестуя против этого, но жертвуя своим эстетическим вкусом ради материального достатка. Сегодня в среде известных российских художников распространено мнение, что современный художник – это успешный бизнесмен»[3]. Это еще раз доказывает главенствующую роль коммерции в искусстве мастера в современных условиях.

Итак, поставленная нами проблема ценности компьютерного творчества для современного художника является особенно острой в настоящее время. А это значит, что до тех пор, пока существует дизайн, эта проблема останется открытой для обсуждения. В настоящее время за каждым дизайнером сохраняется право выбора собственной цели деятельности, важной исключительно для него самого.

Библиографический список

1. Толстой Л.Н. Полное собрание сочинений, в 90 т., т. 46.Москва. 1998.

2. Роллан Р.Собрание сочинений, в 14 т., т.3 Москва. 1995.

3. Сойнова Н., Андрей Рудьев: Современный художник – это успешный бизнесмен.//.Вечерний Красноярск. – 2009. -8 апр.

–  –  –

Первым источником духовного опыта является духовная любовь. Любимое содержание, писал И.А. Ильин, будь то человек, или коллекция картин, или музыка, или любимые горы, «становится живым центром души важнейшим в жизни, главнейшим предметом ее» [1, с. 50].

Ильин утверждал, что «человеку доступна двоякая любовь: любовь инстинкта и любовь духа, т.е. чувственно-телесная и духовная. Они совсем не враждебны и не противоположны, но сочетаются они сравнительно редко [1, с.

53]. Отчасти потому, что многие люди не знают духовной любви; отчасти потому что обе эти любви вступают в разноречие друг с другом. Я согласна с тем, что отличие этих двух видов любви совсем не в том, что одна из них есть «чувственная» и потому «земная», другая же посвящена «сверхчувственному» и называется «небесной» или «платонической». Различие их в том, что любовь инстинкта ищет того, что данному человеку субъективно нравится, с тем, чтобы потом идеализировать это нравящееся.

Духовная любовь тяготеет к качеству, достоинству, совершенству. Она ищет подлинно хорошего, и это вызывает у человека чувство любви: это доброта и благородство души, художественное произведение, человек с глубоким и чистым сердцем, справедливость, мудрость, величие и значительность природы, божественное совершенство.

Иван Ильин утверждает, что «духовная любовь есть как бы некий голод души по божественному, в каком бы обличии это божественное ни появилось» [1, с. 55]. Можно сказать, что духовная любовь есть не что иное, как вкус к совершенству. Некоторые люди живут в духовной направленности, любят ее, дорожат ею, укрепляют, углубляют, веруют и действуют. Другие пренебрегают и не дорожат ею.

Духовная любовь совсем не исключает чувственную любовь, но именно она всегда направляет мышление, волю, чувства на достойный предмет. В духовной любви, отмечал И.А. Ильин, человек сосредотачивает свои духовные силы на том, что на самом деле хорошо и совершенно; и вследствие этого огонь этой любви становится священным пламенем. Человеческая любовь пополняется священным жизненным содержанием, которым действительно стоит жить, и за которое стоит бороться. Она овладевает человеческим воображением, чтобы прожечь и очистить его, чтобы сообщить ему прочное укоренение и достойный предлог, тогда человек приобретает дар сердечного созерцания, дивный орган восприятия и опыта, подъемлющий и окрыляющий душу.

Там где начинается любовь, писал И.А. Ильин, там кончается безразличие, вялость, экстенсивность: человек собирается и сосредотачивается, его внимание и интерес концентрируются на одном содержании, именно на любимом; здесь он становится интенсивным, душа его начинает, как бы накаляться и гореть. Любимее содержание становится живым центром души, самым важным в жизни. Любовь обогащает человека. Любовь не знает ни стыда, ни позора, она не подлежит никакой человеческой критике, её надо уважать. Если любовь истинная, ее никто не сможет у вас отнять.

Любовь – это чувство, не знающее себе равных, по сравнению с другими чувствами. Любовь это радость, которая не покидает человека даже и в страдании, но светит ему сквозь все неудачи, лишения и ограничения, человек радуется даже тогда, когда терпит муку, зная, что он имеет в себе самом сокровище, чувствуя, как его душа заливается глубокой и тайной радостью. Ильин утверждает: «Оказывается, что любовь сама по себе, даже в отрыве от любимого предмета, есть уже счастье, в котором душа перестает каменеть, размягчается, становится как бы подвижной и легкой, гибкой и текучей; она нежно чувствует, поет и обращается ко всему миру с сочувствием и добротой» [1, с. 51].

Любовь окружает сочувствием свой предмет, страдает и радуется вместе с ним. Любовь вызывает потребность осчастливить других вокруг себя. По словам Ивана, истинная любовь этим не исчерпывается и на этом не останавливается: она вживается в любимый предмет вплоть до художественного отождествления с ним [1, с. 51]. Чувство и воображение соединяются у любящего человека. Вот почему истинное, т.е. художественное искусство, всегда рождается любящим сердцем творца.

На свете нет ничего более важного, чем любовь. Любовь помогает выжить человеку в любых ситуациях, в любых жизненных коллизиях. Человек, осчастливленный любовью, воспринимает предметы внутреннего и внешнего мира иначе, чем человек с сухим и каменеющим сердцем. Любящему человеку каждый луч солнца светит ярче «Ибо любовь есть сила всесогревающая, всеотмыкающая и всевидящая; она сама и цветет, и поет и сияет» [1, с. 52]. Человечество именно благодаря любви, продолжает существовать.

Любовь дает человеку дополнительные силы жить красиво, с удовольствием и быть добрым стимулом для других. Сила любви и состоит в сокровеннотаинственном пробуждении внутренней, глубинной энергии человека. Она превосходит силу самого изощренного и тонкого ума, искуснее его. Сила чистой любви благотворно сказывается на судьбе каждого человека и, по сути, всего человечества. Без любви человечество было бы обделенным, более того – душевно обнищавшим. Любовь многообразна и противоречива, как сама жизнь.

Ей присущи всевозможнейшие вариации, хитрости, фантастические требования, проявления разума, иллюзии. Мы часто разочаровываемся в любви оттого, что ждем от нее чуда. Однако любовь лишь более свободно и вдохновенно выражает саму личность. Любовь как бы «добавляет» человеку ума и, в свою очередь, находит в нем же себе опору. А это наивысшее предопределение смысла в человеческой жизни. Не испытав на себе лично прелестей истинной любви, человек остается обыденным земным существом, так и до конца не познавшим свое жизненное предназначение.

Любовь к совершенству – это источник религиозной веры, на этом пути человек становится верующим в подлинном и чистом смысле этого слова. Вера не дается доказательствами, ее источник не в рассуждении, а в предметном горении сердца. Строить свою веру можно только на духовной свободе. Строить ее же на страхе значит исключить из нее начало духа, призванного к преодолению страха. Ведь страх - это чисто отрицательное движение души, и построенный на нем религиозный акт ведет по ложным путям. Нельзя веровать в силу волевого решения, приказа. «Сколько бы человек ни твердил себе, что “надо” уверовать, сердце от этого не воспламенится и духовное видение от этого не возникнет» [1, с.62]. Вера не дается волевому нажиму. В этом проявляется основное отличие православия от католичества. По словам Ивана Ильина, человек может уверовать, только свободно и полно духовно прозрев сердцем или, иначе, - узрев Бога в горении свободной и искренней любви. Только духовная любовь может вызвать в душе духовное прозрение. Тогда вера может превратиться в сосредоточение души и действительности путь жизни.

Ильин полагает, что «вера вдохновит и направит волю, раскроет уму и воображению новые горизонты, облагородит жизнь чувства и воспитает, освящая и одухотворяя чувственную жизнь человека» [1, с. 63]. Я считаю, что вера человеку необходима. У верующего человека открывается духовное зрение, отличающее добро от зла. Человек, достигнувший высшей ступени в своем внутреннем опыте и уверовавший в Бога, чувствует потребность узнать о Боге более того, что дает этот достоверный и пламенный, но, может быть, недостаточно определенный духовный опыт.

Я согласна с тем, что ни один человек из живших или живущих на земле не может считать свою веру совершенной и законченной – ни по глубине и объему ее, ни по ее содержанию. Ни один человек не имеет основания полагаться в этом на свои личные, одинокие силы. «К какому бы вероисповеданию ни прильнул человек, к какой бы религии он ни приложился, он будет поддерживать общение с Богом» [1, с. 67]. Бог есть любовь. Мир был создан Божией любовью для того, чтобы человек, как венец этого творения, смог в ответ Богу принести свою любовь, потому что это чувство всегда стремится к взаимности.

По словам И.А. Ильина, любить Совершенство – значить желать его, сосредотачиваться на нем, вживаться в него, созерцать его и вследствие этого узнавать и принимать его как реальный центр личной жизни. И поэтому в основе каждой настоящей веры и искусства лежит свободное принятие Бога горением искренней любви. Из этого можно сделать вывод, что настоящая духовная религиозность вырастает из свободной и вдохновенной любви человека к совершенству.

Ильин говорит о том, что для веры необходима духовная очевидность, необходим прежде всего, духовный опыт: нужно жить духовными актами, пребывать в них, наполнять их своей душой, строить себя ими, полагать их в основу своего бытия. Если живая и духовная вера возникает из духовной любви и укрепится в духовном созерцании, то она непременно захватит последнюю глубину человеческого существа и проникает из нее во все сферы личной жизни.

Человек не может жить без веры. Как утверждает Ильин: «Без веры в Бога жизнь человека становится бесплодной, пошлой и разрушительной – мнимой жизнью, ведущей к бесчисленным страданиям и всеобщему разложению» [1, с. 74].

Поэты и писатели, философы и мистики, художники и композиторы разных эпох обращались к вечной теме любви, пытаясь средствами своего жанра выразить очарование, гармонию, драматизм любви, постичь ее тайну. Только любящему человеку открываются новые идеи, рождаются светлые идеалы, проявляются благородные чувства. Любовь – это дар, великий, бесценный и долгожданный подарок, который нужно хранить и беречь.

–  –  –

В век «фэнтези» и «экшена» на экранах появляются фильмы стилизованные под документ, в которых правда жизненная и выдумка переплетаются, рождая новые впечатления и эстетику. В нашем кино это фильм А.Федорченко «Первые на луне», где реальность и игровая форма изложения переплетены, и порой не отличишь традиционный жанр фантастического фильма от документальной хроники. К. Шахназаров экранизирует Чеховскую «Палату №6» как документальное расследование. Другие режиссёры, беря за основу реальные события, реконструируют их в игровом кино, стараясь следовать правдивости изложения «как было». Появляется новая стилистика, новые образные решения материала, материализация их в разных жанрах: комедии, мюзиклы, «фэнтези», «экшены» и др. Фильм Майкла Дауса «Глухой пролёт» лежит в этой же обойме.

Попробуем разобраться в том, какие же новые черты несут произведения новой популяции режиссуры. Начнём с сюжета.

«Глухой пролёт» – это легенда, о глухом ди-джее. Фрэнки Уаилд тридцати восьми летний музыкант, ди-джей или,как сейчас модно говорить, саундпродюсер, уже 11 лет подряд играет свои музыкальные творения в Испании на Ибице. Он имеет успех у публики, он – шоумен, который необходим, пока слышит и делает свою работу. У Фрэнка жена, ребёнок, правда, не его, и живёт он только для себя, в принципе, как и все на этом «острове разврата».

Фрэнки определённо был одним из лучших, пока не начал терять слух. От громкого звука и врождённого порока слуха Фрэнк слышит всё хуже и хуже.

Далее, когда слух пропал полностью, музыкант остаётся без славы, без друзей (которых у него и не было), без жены. Он закрывается наглухо в комнате, в надежде вернуть слух, остаётся один на один с собой и наркотиками. «Это просто будто весь мрак и ужас этого мира рухнул тебе на голову»

Слух не возвращается. Фрэнк собирает всю волю в кулак, и начинает новую жизнь. Завязывает с наркотиками, обучается языку глухих, влюбляется в девушку, которая тоже глухая. Именно благодаря ей, он начинает жить поновому. Фрэнки осознаёт, что звук можно чувствовать не только ушами, но и телом, благодаря звуковым вибрациям. Тут не обошлось без осциллограмм. Он работает над своим альбомом, который впоследствии становится лучшим его музыкальным творением. Продюсер Макс пытается сделать из него чуть ли не идола для всех инвалидов мира, но Фрэнк не нуждается в этом. После своего, можно сказать, мистического и блистательного возвращения на сцену, он пропадает без вести, и тут уже каждый сам думает, что с ним случилось дальше.

Андрей Кончаловский, говоря про кино в целом, подчеркнул, что кино безжалостно, потому что слишком конкретно. Задача режиссера в кино - оставить пространство для фантазии. Майклу Даусу удалось сделать это.

В настоящее время электронная музыка достаточно популярна, особенно среди молодёжи. Фильмов про клубные культуры мало, но, тем не менее, они имеют достаточно большой успех, преимущественно среди молодёжи. Но «Глухой пролёт» – это кино для всех.

Фильм начинается с того, что очень известные во всём мире ди-джеи (такие как Sarah Main, Tiesto, Lol Hammond, Carl Cox и другие), восхищаются кемто, размышляют о том, где же он сейчас. Говорят, что это музыкант – вышедший на новый уровень.

Комментарии известных на весь мир продюсеров и музыкантов (Karl Cox, Tiesto, Paul van Dyk и др.) невольно заставляют поверить, что Фрэнки Уаилд реально существует или существовал. На самом деле это всего лишь собирательный образ, и, забегая вперед, нужно сказать, что под этим псевдонимом в настоящее время выступает группа ди-джеев. После высказываний в адрес ещё «неизвестно кого», в кадре, под печальную музыку и звон, появляется бородатый, не опрятный мужчина, с перемотанной головой и печальным взглядом.

Смотреть на это зрелище без тоски практически невозможно, зритель понимает, что это возможно и есть тот человек, о котором говорили музыканты. В этот момент уже начинается переживание, и осознаннее того, что фильм не совсем весёлый. Но время перематывается на год назад, где показан совершенно другой человек. Человек – у которого, по его мнению, забот нет вообще.

Место действия остров Ибица - «остров разврата», на который люди приезжают, чтобы «тусовать», отдыхать и «отрываться по полной». Взору зрителя представлены пляжи, ночные клубы, женщины, что позволяет окунуться в эту атмосферу.

Что касается жанра фильма «Глухой пролёт» - он неоднозначен. Это и комедия, и драма, и музыкальное шоу, а также и псевдо документальное кино.

На протяжении практически всего фильма играет музыка, задающая определённый ритм, но стили, темп музыки и структурная составляющая композиций достаточно мощно отличаются друг от друга.

В начале фильм действительно весёлый, правда шутки достаточно плоские и пошлые. Глухота, пришедшая внезапно, меняет всё в корне. Фрэнка все в момент бросают, оставляют его один на один со своей проблемой. Стадо поклонников забывает про человека, чьё шоу было одним из лучших. Бывший продюсер, жена и друзья, которых у него и не было, предают оглохшего диджея. Остаётся лишь переживать вместе с героем и наблюдать за тем, как он пытается вернуть слух, чего не происходит. После того, как Фрэнк убивает своё Альтер-эго, в виде непонятного существа, напоминающего двухметровую собаку или медведя, в розовом фартуке, чья «морда» постоянно в порошке, символизирует Фрэнки Уаилда во всей его «красе». Непонятное рычание, вперемешку со стонами воспринимаются как крик души и глас разума героя, которые между собой не борются, а напротив объединяются и,как бы, толкают героя на принятие наркотиков. Фрэнки убивает так называемое «Альтер – эго» из ружья, и начинает жить заново.

Так режиссёр вводит в фильм абсолютно фарсовый фантастический план, иллюстрирующий искажения психики персонажа, что даёт условную многомерность излагаемого материала, усиливающего впечатления, разрушая стилистическое единство формы. Но современный зритель воспринимает это вполне спокойно, ибо клиповое сознание органично вписалось в повседневное восприятие мира.

Главного героя Фрэнки Уаилда исполнил комедийный актёр Пол Кайе.

Он действительно вжился в образ, его игра выглядела натурально. Возможно, он переигрывал, когда играл уже оглохшего музыканта, но с другой стороны мало кто видел глухого человека, чьим образом жизни была музыка. Интересен тот факт, что для того, чтобы более запутать фанатов фильма «Глухой Пролёт»

был создан официальный сайт Фрэнки Уаилда, где на фотографиях изображён именно Пол Кайе. Благодаря великолепной игре в лице Пола Кайе всегда будут видеть Фрэнки Уаилда. Хорошо это, или плохо – неизвестно, но ясно одно- вымышленный персонаж обрёл «реальное лицо».

Макс Хэггэр - агент Фрэнка, который занимается продвижением ди-джея, показан нам как человек, лишенный моральных принципов. Ему абсолютно без разницы кто, что и как делает, единственное – о чём он беспокоится – о себе самом. Он везде ищет выгоду. Его внешний вид даёт понять отношение режиссёра к данному герою. Макс Хэггэр всегда потный, скользкий и ничуть не обаятельный. Его внешний вид, поведение и речь оставляют желать лучшего. Единственная его заслуга – это то, что «он вывел Фрэнка на новый уровень», правда, за этот «уровень», Фрэнк расплачивался сам.

Бескорыстная глухая девушка, которая занимается тем, что помогает таким же как она (глухим) научиться языку жестов и чтению по губам. Пожалуй, это первый человек в жизни Фрэнка, который решил ему помочь. Именно благодаря девушке по имени Пенелопа Фрэнк живёт. Она сказала и показала, что глухота – это нормально, с этим можно жить. Фрэнк и Пенелопа полюбили друг друга, и именно при поддержке своей новой, по настоящему любимой девушки Фрэнк делает невероятное.

Режиссёр умело использует звук для создания эффекта документальности происходящего. Прибегая к спецэффектам, автор фильма грамотно демонстрирует нам технику сведения треков между собой, показывая, таким образом, мастерство героя в этом деле.

Фоновые шумы не только помогают нам понять, где происходит действие, но и несут образную функцию. Фрагмент фильма, в котором Фрэнк остался один на один со своей бедой, то шум приглушённого ветра, символизирует полное отсутствие слуха. Будто бы ветер дует где-то в голове у главного героя.

Вроде бы это фон, но кроме него других звуков нет. Но с натяжкой, можно назвать его акцентным, ведь зритель слышит ветер, но не ощущает его. Остаётся только слушать и смотреть на изображение, на котором показаны страдания глухого ди-джея.

Ключевым моментом с использованием шумов, является танец фламенко, благодаря которому Фрэнк понял, что звуковые вибрации возможно ощущать и без слуха. Мужчины хлопают в ладоши и по другим предметам, задавая ритм, а женщина пляшет, топая ногами по деревянному полу. Всё это замечательно сочетается, звук и изображение превращаются в одно целое. Но стоит отметить, что когда Фрэнки Уаилд смотрит на бокал, в котором плещется под танец какая-то жидкость, непосредственно звуки танца становятся акцентными. Ведь видит зритель не танцующую женщину, а плещущуюся жидкость в бокале.

Увидев и поняв, как можно воспринимать звук без ушей, Фрэнки начинает сводить под бит в своём уме музыкальную композицию, которая постепенно нарастает и переносит действие в ночной клуб.

В качестве музыкального лейтмотива используется «Лунная соната»

Людвига Ван Бетховена, правда переигранная композитором Грэхемом Месси.

На музыку наложены звуковые эффекты, в том числе «Реверс» и «Тайм Варп».

Мелодия становится практически неузнаваемой, но, прибегая к современным технологиям, раскрыть этот секрет не составляет особого труда. «Лунная соната» Бетховена была переделана на современный лад не просто так. На протяжении всего фильма Фрэнка сравнивают с неким «Глухим со своими потребностями», которым и являлся Людвиг Ван Бетховен.

После высказывания Марвина Соллиса (промоутера) о том, как он наблюдал за тем, как Фрэнки теряет слух, зритель видит главного героя, очнувшегося ото сна. Фрэнки Уаилд тяжело дышит и всхлипывает, на фоне - ветер.

Первым делом он хватается за склянку с кокаином. И тут издается какое-то непонятное рычание. Постепенно нарастает музыка тревожная музыка, накаливая обстановку. Перед глазами зрителя предстаёт Альтер эго главного героя, уродливое непонятное существо, которое рычит всё громче и громче. Ветер усиливается, после чего всё резко обрывается. Фрэнк стоит во дворе своей виллы, на травке, на коленях, раздвинув в стороны руки. Дует еле слышный ветерок, поют сверчки. Обычно такое звуковое сочетание можно услышать ночью в лесу, где человеку ни капли не тревожно, а напротив – уютно. Слышится вой непонятного существа, которое втыкая лопату в гору порошка, скорее всего кокаина, кидает его на лицо Фрэнка, который жадно его вдыхает. Фон сделан достаточно мило, и успокаивающе. Главный герой чувствует себя «в своей тарелке».

Зрелище омерзительное, аморальное, помогает нам лучше понять сущность героя. Следующий кадр – Фрэнк снова лежит на кровати, пытается отдышаться и кашляет. На фоне всё тот же ветер, но сверчков нет. Далее Фрэнк бежит к бару, чтобы вдоволь напиться своим любимым виски. Обычная бытовая сцена, всё тот же ветерок, кашель, захлёбывание, сопли из носа, и, опять же, Лунная Соната. Фрэнк почти ничего не слышит, в его ушах гул, и все звуки как бы заглушены.

Режиссёр использует пластику актёрского поведения в сочетании с музыкальным ритмом. Старается снимать короткими динамичными кадрами, подвижной камерой, что даёт впечатление хроникальной съёмки реального события, не теряя образного смысла. Шоковое впечатление производят кадр в котором глухой Фрэнк пытается услышать музыку, находясь в ночном клубе прямо у колонки. Пенелопа изящно двигается под темп музыки, Фрэнк начинает тоже танцевать, так как почувствовал вибрации по телу. Вроде бы глухие люди, а танцуют. Этот кадр вызывает бурю положительных эмоций. Стоит только посмотреть на счастливое лицо Фрэнки Уаилда – и жить хочется. И в этом проглядываем хэппи-энд классического американского кино.

Всё, что сделано режиссёром в фильме «Глухой пролёт» вписывается в стилистику современного игрового кино. Это жёсткая история, основанная на реальном событии, которая излагается энергично, короткими динамичными планами в форме телевизионного репортажа, при этом принцип эклектического разножанрового материала становится принципом формообразования. Актёры подбираются как обычные люди, без гламурного лоска, а порой снимаются без грима. Фильм насыщен подробностями «производственной деятельности», огромным количеством бытовых предметов, которые задействованы как смыслообразующий игровой реквизит, служащий для убедительности и реальности происходящего. Фантастика и реальность сливаются в единое «якобы» документальное повествование, с использованием интервью и известными людьми, как в телевизионных шоу. Ещё очень интересный факт – использование классической музыки, обработанной современными эффектами, которая в этом виде сохраняет содержательность и эмоциональность прошлого, но в современной форме.

Изобразительно часто используют не декорации и павильоны, а реальные помещения с достройкой. Практически во всех картинах используется компьютерная графика, позволяющая объединять бытовую и виртуальную реальность. Режиссёр Майкл Даус из поколения тех, кто пришёл в кино через современные компьютерные технологии, начинающих в качестве монтажёров, клипмейкеров, режиссёров рекламы или телевидения. Это наполняет современное кино новыми выразительными и изобразительными возможностями, отражающими быстроменяющуюся новую реальность. Причём для создания мистификации (для привлечения зрителей) активно используют интернет и другие информационные технологии. Таким образом, фильм становится не единичным фактом просмотра, а психологическим полем сознания поклонников и фанатов.

–  –  –

СОВРЕМЕННОЕ ИСКУССТВО:

ОСОБЕННОСТИ ФОРМИРОВАНИЯ И ФУНКЦИОНИРОВАНИЯ

Долгое время основным фокусом искусства был предмет, вещь. Искусство, как опредмеченный, овеществленный взгляд художника на реальность, традиционно было неотъемлемой частью человеческой жизни. К объектам искусства мы привычно относим картины, скульптуры, здания – все, что стало проекцией внутреннего мира художника на окружающий его мир. Многие века художники следовали канонам, затем вырабатывали каноны новые, но основное оставалось неизменным – художник всегда был призмой, преломляющей особым образом проходящие через него ощущения и отбрасывающий их, как тени, на вещность.

Однако, технологии все развивающегося окружающего мира не стоят на месте и художнику всё меньше нужен некий традиционный материальный посредник, позволяющий донести свое видение мира до потребителя искусства. Опредмеченная проекция внутреннего мира художника per se есть некоторый message, направленный потребителю искусства в будущее. Но зачем использовать в качестве носителя сообщения предмет, если появляются новые средства передачи сообщений (использование которых, кстати, само по себе является сообщением, the media is the message).

Таким образом, не только в воззрениях и выступлениях, но и в искусстве таких художников начала ХХ века как дадаисты и сюрреалисты, мы можем наблюдать проявления принципиально иной формы искусства – акционизма. Для этой формы характерной особенностью является не только отсутствие привычного всем вещного проявления, но и перенос смыслового акцента искусства с самого произведения на процесс его создания.

Акционистское искусство ставит себе целью вторжение на неожиданные территории публичного (формально, конечно же, на те карты, ибо «карта не есть территория») с последующим действием, побуждающим зрителя думать, а истеблишмент, зорко охраняющий свое право на формирование реальности – реагировать. И если началом этого пути были невинные книги монохрома, аэростатические скульптуры и антропометрии Ива Кляйна, то продолжается это в современной России Анатолием Осмоловским, арт-группой «Война» и выставками Марата Гельмана.

Современные русские акционисты очень хорошо чувствуют те публичные «мозоли», которые следует отдавить, все те табуированные смыслы – и, топчутся по ним подкованными сапогами дискурсмонгеров.

Анатолий Осмоловский и арт-группа ЭТИ («Экспроприация территории искусства») выкладывают своими телами на брусчатке Красной площади любимое русское слово из трех букв (и да, это не «мел») в попытке десакрализовать главную площадь страны. Олег Кулик кусает Америку, Америка кусает Олега Кулика.

Государственная премия в области современного искусства «Инновация» присуждена арт-группе «Война» за акцию «Член в плену у ФСБ».

В разное время в состав арт-группы входили до 60 человек, самыми известными были филолог Алексей Плуцер-Сарно, идеолог проекта, а также Леонид Николаев и Олег Воротников.

Рисунок фаллоса на мосту Петербурга, сделанный арт-группой «Война» – художественное воплощение общественного протеста против строительства небоскреба «Охта-центр». На создание рисунка, за который «Война» получила премию, ушло всего лишь 23 секунды. При разведении мостов гигантский фаллос, изображенный на одной из частей Литейного моста, поднялся как раз напротив здания областного управления ФСБ.

Некоторые акции планировалось провести с поэтом-концептуалистом Дмитрием Александровичем Приговым. После смерти Пригова «Война» организовала поминки – активисты группы накрыли стол прямо в вагоне метро.

Даже выставки такого маститого современного галериста, как Марат Гельман, можно отнести к особого вида перфомансам.

Гельман писал, что во время всех встреч, вне зависимости от того с кем он говорил, его предостерегали. Разными словами, сочувственно и угрожающе, с надеждой и скепсисом: мы – не Россия. Мы земля с традиционным укладом. У нас тут современное искусство встретится непониманием. Но уж точно, ни в коем случае не задевайте религиозную тематику. И действительно, он приурочил к Ночи Музеев открытие нескольких проектов - выставку группы "Город Устинов" из Ижевска и выставку "Лес" двух краснодарцев – живописца Владимира Мигачева и скульптора Валерия Казаса, экспозицию Владимира Дубоссарского и Александра Виноградова"Осторожно!

музей". Last, but not least в этом списке – выставка на религиозную тематику Icons.

И Марат не ошибся в своих ожиданиях, открытие в религиозноортодоксальном Краснодаре выставки современных художников на религиозную тематику послужило факелом, брошенным в бочку с бензином краснодарского истеблишмента. Бушует церковь, бушуют краснодарские казаки, во все инстанции, включая Спортлото, летят письма с просьбами «запретить кощунство». На открытии выставки пикеты, драка, кубанский протоиерей Алексей Касатиков публично плюет в лицо Марату Гельману. Следует признать, что можно сколько угодно рассуждать об эстетической и художественной ценности произведений искусства, экспонирующихся в музеях современного искусства Перми и Краснодара, открытых Маратом, но ясно точно – сами эти музеи и процессы вокруг них являют собой грандиозный перфоманс, бьющий по уязвимым местам традиционной парадигмы мышления- и каждый выверенный удар достигает своей цели.

Итак, что же потеряло искусство при переходе к современности? Мы считаем, что оно потеряло свою вещность, так как наличие материального результата для процесса искусства более не обязательно.

Что же современное искусство приобрело? Переход на новый уровень, становление метаискусства, когда возможно говорить не только о воздействии на потребителя искусства напрямую, без посредства предметов, но и о вовлечении потребителя искусства, в сам акт творения, ибо, что есть акционерское искусство без зрителей и участников.

Е. А. Пясецкая ПОРТФОЛИО КАК ВУЗОВСКАЯ ТЕХНОЛОГИЯ

В современных условиях настоятельным требованием становится необходимость оценки эффективности деятельности вуза с использованием прозрачных и понятых обществу количественных параметров, характеризующих его научно-педагогическую деятельность и не зависящих от субъективных факторов. В этой связи возникает потребность определения результативности деятельности преподавателей и качества подготовки студентов, в частности оценки их научных достижений. При этом критерии количественной оценки научной деятельности преподавателей и студентов вуза не достаточно разработаны.

Поэтому актуальной является разработка технологий систематизации, документирования научных достижений преподавателей и студентов, а также определения рейтинга эффективности научно-исследовательской и научнометодической деятельности профессорско-преподавательского состава и рейтинга исследовательской работы студентов вуза [1, с. 3].

Термин «портфолио» давно знаком профессионалам из области искусства: многие художники и сейчас, и в прежние века создавали свое портфолио творческих работ. Портфолио организаций и предприятий помогают продвигать на рынке предоставляемые ими услуги, способствуют поиску заказчиков и потребителей услуг. Начиная с 90-х годов, речь зашла и о применении портфолио в российском образовании.

Существует множества определений, характеризующих портфолио. Некоторые исследователи рассматривают портфолио как «рабочую файловую папку, содержащую многообразную информацию, которая документирует приобретённый опыт и достижения учащихся» [3, с. 13]. Исследователь К. Варвус описывает портфолио как систематический и специально организованный сбор доказательств, используемых учителем и учащимся для мониторинга знаний, навыков и отношений обучаемых.

Ещё одно определение предложено Д. Майером: «Портфолио – это целенаправленная коллекция работ учащегося, которая демонстрирует его усилия, прогресс, достижения в одной или более областях. Коллекция должна вовлекать учащегося в отбор его содержания, определения критериев его отбора;

должна содержать критерии для оценивания портфолио и свидетельства о рефлексии учащегося» [3, с. 13].

Следует обратить внимание на некоторые рекомендации по созданию и использованию «портфолио» в вузе. Рассматривая данную тему, имеет смысл обращаться к успешной практике, методическим и нормативным разработкам общего и среднего образования, т. к. об его использовании говорят лишь отдельные документы и факты, информация носит скорее проблемный или проектный характер.

В настоящее время понятие «портфолио» чаще всего соотносят со сферой образования. На самом же деле, в широком смысле этого понятия, метод портфолио применим для любой практико-результативной деятельности. В наш век информационных технологий и электронной коммуникации настоятельно рекомендуется, чтобы студенты развивали электронное, или онлайн-портфолио.

Такой формат позволяет легко и эффективно общаться через Интернет с возможными работодателями. Подобное электронное портфолио может быть размещено как на персональном сайте, так и на сайте университета. Например, на общеуниверситетском сайте выделяется специальный раздел, посвященный персональной информации о студентах для потенциальных работодателей.

Причем очень активны в поддержании и обновлении этих портфолио наиболее перспективные в карьерном отношении студенты, например те, кто участвует в ежегодных конкурсах типа «Карьерист года», Молодёжных карьерных форумах, ярмарках вакансий, презентациях ведущих компаний, проходящих как в стенах университета, так и за его пределами.

Сама суть использования портфолио как технологии и как пакета документов – обеспечить эффективное взаимодействие студентов с научными руководителями, преподавателями и кураторами в вузе в период обучения, а также с потенциальными работодателями до и после окончания высшего учебного заведения.

На сегодняшний момент наиболее актуальной становится реализация «портфолио» в виде информационных баз данных в формате web-ресурса. Модуль рейтинга виртуального портфолио научных достижений студентов построен на основе показателей, учитывающих различные аспекты и результаты научной деятельности студента за период обучения в вузе. Степень участия в научных мероприятиях определяется количеством выполненных работ и их оценкой, уровень мероприятия (региональный, межрегиональный, всероссийский, международный) дополнительно оценивается бонусами. Сумма всех показателей, выраженная в пунктах, определяет рейтинг научных достижений студента.

Таким образом, портфолио студентов и портфолио преподавателей, реализованные в формате web-ресурса, являются основой рейтинга научных достижений студентов и преподавателей вуза. Анализ контента портфолио результатов научной деятельности студентов и преподавателей позволяет совершенствовать систему критериев и показателей оценки эффективности научной деятельности кафедр вуза, упорядочить организацию, управление, а также документирование научной деятельности на основе современных информационных технологий.

Что касается системы бально-рейтинговой оценки студентов, то можно определить примерный максимальный балл, который составляет около 300-350 единиц. Однако, реально, неформальный рейтинг для студента не будет превышать 150-200 единиц [2, с. 2.].

Авторы такого подхода считают, что «рейтинг студентов на основании портфолио может подводиться по итогам учебного года и в целом за все годы учебы. В зависимости от профессиональной ориентации, направления будущей деловой активности, вес оценок может быть пересчитан. Расчет рейтинга происходит по всему университету, по факультетам, по кафедрам и академическим группам в конце каждого семестра, а также за весь период обучения нарастающим итогом» [2, с. 3].

Нужно отметить, что при сборе материалов и оформлении портфолио должен использоваться только принцип «добровольности», прежде всего, с точки зрения его владельца. Студент, который занимается сбором материалов для своего портфолио, сам лично решает, какие именно документы он помещает в папку своих личных достижений. Это должно стать ведущим принципом работы с портфолио. Ни в коем случае нельзя принудительно (без согласия самого владельца) включать материалы в его портфолио, особенно на финальной стадии, когда студент предъявляет свой портфолио по месту назначения. Например, при поступлении в магистратуру он готовит свой портфолио для предъявления в отдел кадров фирмы или предприятия, куда он подает заявление о приеме на работу. Данное педагогическое требование является важнейшим при сборе материалов. Оно, к сожалению, часто не удерживается преподавателями, стремящимися сделать помещаемую о студенте информацию, с их точки зрения, более «объективной» и «объемной».

Библиографический список

1. Хузина С.А., Капаев Е.М. Виртуальный портфолио научных достижений студентов / Хузина С.А., Капаев Е.М. // свидетельство о государственной регистрации программ для ЭВМ. 2009. № 20.

2. Писарева С.А. Рекомендации по оценке результатов образовательного процесса в системе бакалавриата и магистратуры [Электронный ресурс]: / Режим доступа: http:// www.soc-spb.ru /.

3. Новикова Т. Папка индивидуальных достижений портфолио/ Т. Новикова // федеральные рекомендации и местный опыт. 2004.

Л. О. Соболева (науч. рук. Н.А. Фатеева)

ИСКУССТВО И РЫНОК

В современном искусствоведении, в философии, а также в обычной жизни человека особенную остроту приобретает проблема взаимодействия искусства и рынка. К этой проблеме обращались на протяжении нескольких десятилетий многие исследователи. Среди них доктор философских наук О.Дубова («Актуальное искусство и рынок»), галерист М.Гельман («Как продавать искусство»), Г.Розенберг («Искусство на грани», «Переопределение искусства»), И.Метелицын («Двойное Зазеркалье российского арт-рынка»). Этих исследователей привлекает вопрос: положительно или отрицательно рынок влияет на искусство?

Существует две точки зрения на эту проблему. Считается, что галереи, ярмарки, фестивали — это привлечение капитала, инвестиций в туристический бизнес, а также часть государственной политики. За такое привлечение капитала выступает Марат Гельман, так как он является основателем «Галереи Марата Гельмана», директором «Центра современного искусства», директором Пермского музея современного искусства «PERMM» и директором Пермского центра развития дизайна. Иной точки зрения придерживается Ольга Дубова, которая в настоящее время является ведущим научным сотрудником отдела теории НИИ теории и истории изобразительных искусств Российской академии художеств. Она считает, что рынок отрицательно влияет на художника как на профессионала: «...Совершенно очевидно, что в условиях слишком тесного взаимодействия искусства и коммерции надо иметь мужество противостоять рынку и моде, чтобы не быть похожими на тех из художников, которым богатство заменило профессиональный рост» [3, с. 2].

Чтобы разобраться в этой проблеме, нужно уяснить, что такое художественный рынок. Художественный рынок это сфера экономических отношений, где произведения искусства выступают в качестве продаваемых предметов; это сфера проявления и сопоставления эстетических и художественных ценностей, идей, проектов, смелых фантазий, отражающих стремление проявиться и удержаться в динамичной среде постоянно умножающихся художественных предложений. Рынок - это место актуализации отношений произведения искусства с действительностью в данный конкретный момент ее существования [1, с. 16]. Можно сказать, что художественный рынок существовал уже в Древней Греции, а точнее существовали два основных элемента - художник и покупатель. «Основным способом организации античного рынка художественных ценностей была система заказов и кон курсов... другим исключительным явлением в искусстве Древнего мира с точки зрения его социального бытия были выставки» [1, с. 28]. В средние века художественный рынок еще не представлял собой рынка, какой он существует сейчас, так как искусство было анонимным. Связь художника и потребителя осуществлялась через заказ. Основные составляющие системы художественного рынка начинает складываться в эпоху Возрождения. Как говорится в монографии «Художественный рынок», к этим составляющим относятся: индивидуальный и социальный заказ, конкурсы, покровительство и меценатство, художественное творчество как сфера профессиональной деятельности, высокое место художника в социальной и культурной иерархии общества, эстетические и экономические критерии арт-рынка, художественные школы и мастерские [1, с.

34]. В эпоху Возрождения сформировался художественный рынок, где важную роль играл коммерческий посредник, а значимость заказа отошла на второй план. Что касается современного российского арт-рынка, то можно сказать, что он испытывает трудности, так как не всегда произведения искусства востребованы богатым покупателем, спрос западного покупателя тоже не велик.

Во взаимодействии рынка и искусства Марат Гельман видит положительные стороны, прежде всего это принесение дохода от произведений искусства не только самому владельцу, но и авиакомпаниям, отелям, и другим услугам традиционного туристического бизнеса, так как многие туристы специально приезжают в другой город, чтобы посетить музей [2, с. 3]. Автор сравнивает бизнес на искусстве с операциями с ценными бумагами: «художник — эмитент, выставка эмиссия, произведение искусства — пакет акций» [2, с.

1]. Для успешного функционирования арт-рынка важно, чтобы покупатели приобретали работы не просто для украшения стен, а чтобы они становились коллекционерами. Современный художник должен обладать определенными критериями. Во-первых, он должен знать историю искусств, для того чтобы помнить, что до него было создано множество произведений, и художник должен постараться, чтобы его творение туда вписалось, но так, чтобы не повторяться, чтобы быть узнаваемым. Во-вторых, произведения художника должны быть актуальны. Также художник должен быть талантливым и перспективным, трудолюбивым. Художник должен быть молод, чтобы успеть построить свою карьеру.

Один из популярных посредников между художником и социумом - галерея. Галереи появились после Первой мировой войны и в настоящее время актуальны, но вскоре могут появиться новые посредники. Как утверждает автор статьи, галерея играет социальную роль — сохранение аудитории, готовой идти в будущее, что актуально для страны, которая хочет в прошлое [2, с. 4].

Также у галереи есть еще несколько функций.

Как говорится в монографии «Художественный рынок», это:

– репрезентативная функция (демонстрация произведений, организация выставок);

– просветительская (пропаганда современного искусства, публикация каталогов);

– экспертная (оценка работ);

– коммерческая (продажа работ) [1, с. 108].

Посредник между творческим человеком и бизнесом — это галерист, «он адаптирует художника к реальной жизни и реальную жизнь к искусству, при этом решая непростую задачу: заработать деньги для себя и для художника»

[2, с. 4]. Таким образом, не обремененный проблемами продажи, художник может в большей степени посвятить себя творчеству.

В своей статье М. Гельман писал: «Произведение искусства — товар особый, маркетинг и реклама которого невозможны вне художественной среды, способствующей продвижению на рынке не столько произведения, сколько его автора» [2, с. 3]. В последнее время зрителя или покупателя в меньшей степени интересует само произведение, более важным становится скандал вокруг имени художника.

Этот пиар автора возмущает Ольгу Дубову. В своей статье «Актуальное искусство и рынок», она возвращает нас к академизму: «Да, прежде художники были известны и уважаемы, но известны и признаны профессионалами как авторы шедевра в его средневековом и академическом понимании, шедевра как работы мастера, как квалификационной работы. Отличие нашего времени в том, что не цеха и не Академии управляют художественной жизнью, а галереи с их представлением о шедевре как о высокооплачиваемом объекте, созданном знаменитым художником. Сама же известность никак не связана с профессиональным уровнем» [3, с. 2]. В современном искусстве профессиональные навыки отодвигаются на второй план.

Сейчас больше важно правильно преподнести себя, выгоднее продать свою работу. В настоящее время отрицается академичность как принцип обязательного наследования профессиональных уроков прошлых поколений. А как утверждает Ольга Дубова: «Ключ к тайне искусства искать надо в величайшем из произведений божественного Искусства — натуре» [3, с. 7]. Также отрицается ученичество. У ученика нет наставника, он постигает всё за счет самостоятельной работы. Ранее же ученики шли в подмастерья к опытным мастерам и осваивали все тонкости ремесла. Сейчас существует проблема нехватки художественного образования. «Художник, отказывающийся от профессионального мастерства и от работы над шедевром в классическом понимании этого слова, начинает приобретать «профессионализм» совершенно иного сорта, понимая, что при полной субъективности оценок и полной зависимости от внешних факторов ему необходимо найти своих, придерживающихся той же программы, ведь объективных критериев, независимых от субъективной декларации больше нет, нужно участвовать в тусовке и продвигаться вместе с ней наверх» [3, с. 4]. Но в наше время в искусстве главное – идея, а научить человека генерировать идеи, быть креативным, довольно сложно, так как в человеке это либо есть, либо нет. Как это точно сказал в одном из радио интервью поэт И. Померанц, феноменом XX века можно назвать художественное поведение людей, не обладающих художественным даром» [1, с. 76]. Художник становится зависимым от вещей, не имеющих отношения к искусству, он зависит от рекламы, от критики.

В последние годы появилось много литературно-художественных изданий. Художественную критику можно найти на телевидении, в глянцевых журналах и особенно в интернете. Современная критика заметно изменилась.

Как говорится в книге «Художественный рынок», «в рыночной ситуации критика оказалась не на стороне художника, искусства или высоких гуманистических идей, а на стороне заказчика, нарушив правило, присущее ей еще со времен М. Ломоносова, – «любить искусство». Она больше всего начинает ценить деньги» [1, с. 76].

В настоящее время поменялась интерпретация слова ценность по отношению к произведению искусства.

В своей статье Ольга Дубова пишет:

«Цена, а не художественное качество определяет его ценность» [3, с. 4].

О.Дубова делает вывод: «Прогресс общества по отношению к прогрессу искусства никак не прямо пропорционален» [3, с. 6].

Точка зрения О.Дубовой принципиально отличается от точки зрения Гельмана, хотя Гельман не отрицает художественное образование, он пишет, что художник должен знать историю искусств [2, с. 2]. Трудно принять какуюто одну точку зрения. Действительно, рынок отрицательно сказывается на профессионализме художника, так как существует проблема нехватки художественного образования, потому что, как пишет в статье Дубова, успех зависит сейчас от степени развития «деловых» качеств [3, с. 3]. Но также можно посчитать положительной стороной влияния рынка на развитие экономики страны. Чтобы художники не теряли свой профессионализм, стараясь как можно выгоднее продать свои работы, необходима поддержка государства.

Если бы в России была такая же поддержка художников, как на Западе (а там современные художники получают гранты, премии, награды), то это бы положительно сказалось на взаимодействии рынка и искусства.

Библиографический список

1. Гельман М. А. Как продавать искусство [Электронный ресурс]:

Отечественные записки. 2005. №4 // Режим доступа: www.strana-oz.ru

2. Дубова О. Б. Актуальное искусство и рынок [Электронный ресурс]:

//.Режим доступа: www.rospisatel.ru/dubova-aktualnoje.htm

3. Художественный рынок : Вопросы теории, истории, методологии.

— Санкт-Петербург.: СПбГУП, 2004.

А. Н. Тимербаева (науч. рук. Н.А. Фатеева)

АРТ-ОБЪЕКТ В ПРОСТРАНСТВЕ ПОП-АРТА

С середины ХХ века художники всё чаще стали создавать не произведения искусства, а арт-объекты. Арт-объект – это объект искусства, вещь (объект) которая представляет собой не только ценность материальную, но и художественную. Вещь, на создание которой художника воздвигло вдохновение, вещь создающая настроение, вещь в которую вложена душа. [2, с. 245].

Художники модернизма выводят арт-объекты за рамки традиционных видов и жанров, за пределы собственно искусства в традиционном понимании, разрушают границы между искусством и окружающей действительностью.

Вновь поднимается проблема соотношения линии и цвета. В произведениях используются: парадоксы, абсурдные ходы, алогичные сочетания на первый взгляд несочетаемых элементов, приемы, выполненные методом сборки на основе коллажа-монтажа часто из далеких от традиционных для искусства материалов. Они призваны активизировать фантазию и восприятие самых широких масс.

Поэтому одним из главных и мощных направлений в этот период несомненно был поп-арт (англ. popular art — популярное искусство). «Поп-арт явился типичным продуктом технологического индустриального общества массового потребления», говорил знаменитый Энди Уорхол [2, с. 300]. Массовый продукт создается для его потребления массовым сознанием, «Массовое потребление, или же массовое сознание – один из видов общественного сознания, определяющее в какой-то момент совпадением значимых компонентов большего числа разнообразных групп общества», так описывал массовое сознание испанский философ Хосе Ортего-и-Гассет [1, с. 345].

Некоторые исследователи рассматривают поп-арт как реакцию на беспредметное искусство. «Абстрактное искусство исчерпало свои возможности открывать новые горизонты для художника и для зрителя, и в следующем десятилетии эту присущую самой природе искусства функцию перенял поп-арт»

(Jucy R. Lippard. 1966. P. 9)[3, с. 201].

Не удивительно, что поп-арт стал востребован в конце ХХ века, главным принципом этого искусства становится эстетизация всего вещного мира. «Художественную ценность можно отыскать в любом предмете, даже в уличных отбросах» («XXXII Espasizione Bienale Internationale d'Arte», Venezity, 1964, p.

9)[3, с. 125]. Абстракционисты отказываются от существующей реальности, а поп-арт противопоставляет грубый мир материальных вещей, которому приписывается художественно-эстетический статус.

Теоретики поп-арта утверждают, что в определенном контексте каждый предмет теряет свое первоначальное значение и становится произведением искусства. Поэтому задача художника понимается не как создание художественного предмета, а как придание обыденному предмету художественных качеств путем организации определенного контекста его восприятия. Эстетизация вещного мира становится принципом поп-арта. Художники стремятся добиться броскости, наглядности, доходчивости своих творений, используя для этого этикетки и рекламу. Смятые автомобили, выцветшие фотографии, обрывки газет и афиш, наклеенные на ящики, чучело курицы под стеклянным колпаком, выкрашенный белой масляной краской рваный ботинок, электромоторы, старые шины или газовые плиты — таковы художественные экспонаты поп-арта. Художники и теоретики поп-арта говорят: «вовсе не следует дожидаться того часа, когда утилитарные изделия современной эпохи утратят свое практическое назначение и как античные амфоры обретут несомненную художественную ценность»[5, с.

125]. Можно и в этой эстетической сфере «ускорить движение истории».

В поп-арте огромное значение уделяется на светоцветовую среду и создается световая атмосфера вокруг человека. Это необходимо для достижения высокой степени абстрагирования от конкретности. В результате, особая эстетическая среда создается с помощью цветонасыщенных оптических эффектов, благодаря применению линз, зеркал, вращающихся устройств, дрожащих металлических пластинок и проволок.

Кроме того, поп-арт ориентирован, прежде всего, на иррационалистические принципы творчества и подходы к реальности. Об этом пишет западная критика: «Все лучшее, что есть в поп-арте, действует косвенно... Принцип, лежащий в основе этого искусства, состоит в том, чтобы найти средство коммуникации, подрезающее под корень всякое ясное формулирование мысли»

(«Rinascita», 11. IX. 1965) [3, с. 302].

Не менее важным является то, что поп-арт акцентирует внимание на личности общества «массового потребления». Идеальная личность поп-арта — человек-потребитель, которому эстетизированные натюрморты товарных композиций должны заменить духовную культуру. Слова, подмененные товарами, литература, вытесненная вещами, красота, замененная полезностью, жадность материального, товарного потребления, заменяющая духовные потребности, характерны для поп-арта. В результате направление принципиально ориентировано на массовую, нетворческую личность, лишенную самостоятельности мышления и заимствующую «свои» мысли из рекламы и средств массовой коммуникации, личность, манипулируемую телевидением и другими СМИ. Эта личность программируется поп-артом на исполнение заданных ролей приобретателя и потребителя, покорно сносящих отчуждающее воздействие современной цивилизации.

Свойственные поп-арту эстетизация и идеализация вещи не раз встречались в искусстве. Натюрморты «малых голландцев» воспевали прелесть вещей, поэтизированных как творения рук человека; в этих натюрмортах воспевались продукты творческого труда. В поп-арте вещь эстетизируется как предмет «массового потребления» в «массовом обществе». Возникает так называемый культ вещей. В этом особенность поп-арта. Поп-арт позиционирует вещь, как вещь, которая должна поступить в «массовое потребление», или вещь, уже бывшую в употреблении, отслужившую, устаревшую, но все еще хранящую на себе печать использования человеком (композиции из подержанных газовых плит, шин, мебели).

Поп-арт это отрицание действительности, внешне принятых правил приписанных людям, внешне бунтарское искусство, выполнявшее «охранительную» функцию адаптации человека к обществу и являющийся «актом бунта против всех и всяческих форм отчуждения» (См.: Давыдов.Движение «новых левых» и музыкальный авангард. «Советская музыка», 1970, № 4)[4, с. 101].

«Искусство немыслимо вне идеологии. Так как искусство изображает жизнь такой как она есть, а также такой какой она должна быть или могла бы быть, оно призывает человека занять определенную позицию в этой жизни, и неизменно следовать ей», говорил Энди Уорхол.[4, с. 55]. С другой стороны, искусство отображает жизнь своим особым способом и имеет дело с эстетическими идеями, различно трактуемыми различными школами. Здесь идеология материализуется в конкурирующие художественные течения и стили. Поп-арт, эстетизирует банальные предметы реального мира, выдвигает свою идеологию.

Идеология эта проста. В ее основе: нерушимость традиций, примат успеха и культ денег. Короткая элитарная фаза развития поп-арт закончилась, как только в него проникли большие деньги. Поп-дизайн вместе с другими течениями анти-дизайнерской направленности противостоял «современному движению»

(функционализму и модернизму), заявлявшему «меньше - значит лучше» и привел к радикальному дизайну 70-х, а, в дальнейшем, и к арт-дизайну. Он закономерно превратился в бизнес-процесс, ведь к тому времени деньги стали решать многое, и отражение этого проявляется в создание всё новых и новых арт-объектов, стилизуя стандартные и привычные для людей объекты. А оттуда

- новое ретиражирование на футболках, на супер-обложки виниловых дисков и глянцевых журналов. И Уорхол, в отличие скажем от утонченного Гамильтона, стал одним из главных инженеров этого процесса. Инженером - сумевшим добиться своего.

Библиографический список

1. Хосе Ортего-и-Гассет. Rebellion de las Masas («Восстание масс»), Исп., 1930.

2. Кузьмина М. Поп-арт. – В кн.: Модернизм. 3изд., Москва.1980.

3. Katalin Keseru. Variations on pop art. Budapest, 1994.

4. Обухова А., Живопись без границ. Москва.2001.

5. Орлова М., От поп-арта к концептуализму. Москва.1960.

Л. В. Чепак (науч. рук. Н.А. Фатеева)

ЭКОЛОГИЧЕСКИЙ ДИЗАЙН. АРХИТЕКТУРНЫЕ ФОРМЫ В

ЭКОДИЗАЙНЕ.

«Чем полнее человек осознает себя субъектом природы, понимает свою ответственность за сохранение жизни на планете, соответствует возможностям природы в удовлетворении своих потребностей, вписан в природу, ее циклы и ритмы, тем выше уровень его экологической культуры.»

М.В. Панкина, «Экологический дизайн» [1, с. 3] Сегодня все меняется с огромной скоростью и настроением. И совершенно не удивительно, что именно теперь, темп и ритм современного мегаполиса, заставляет все чаще обращаться к бесконечному источнику творческого вдохновения – природе. Еще много лет назад люди жили в согласии с природой, но в дальнейшем он решил ее покорить, что привело к процессу физического вытеснения и уничтожения естественной природы. Человек был создан природой, природа – это среда обитания.

Сегодня существует человек и природа, и они конфликтно взаимодействуют друг с другом. Дегуманизация общества влияет на разрушение окружающей среды. Дегуманизация – утрата гуманистических начал, общечеловеческих духовных и нравственных ценностей в жизни людей, отказ от мировоззрения, основанного на справедливости и человечности, на внимании и уважении к личности, к индивидуальным особенностям человека [2].

В целях экономии времени человек воздвигает стандартные архитектурные сооружения, которые в дальнейшем негативно воздействуют на человека, тем самым сам разрушает все окружающее.

Общество устало от «гомогенных» и «агрессивных» полей окружающих их. Гомогенное поле представляет собой поверхность, на которой либо отсутствуют видимые элемент, либо их число минимально (бетонные стены, глухие заборы, панели большого размера, асфальтированные и плиточное покрытие).

Агрессивное видимое поле – это поле, на котором рассредоточено большое число одинаковых, равномерно распределенных видимых элементов. Тем самым люди используют большое количество различных материалов и не равномерно используют природные ресурсы. У человека не было до сегодняшнего дня гуманистического отношения к природе и, буквально недавно, он стал задумываться об экологии.

Под понятием экология человека подразумевается междисциплинарная наука о взаимоотношении человека со средой обитания в различных аспектах (экономическом техническом, физико-техническом, социальнопсихологическом) которая призвана определять оптимальные условия существования человека, включая допустимые пределы его воздействия на окружающую среду. Поэтому стали чаще появляться экологические архитектурные сооружения. Идея экологических архитектурных сооружений в том, что бы прекрасно вписываться в естественный пейзаж. Этим необычным решением архитектуры пытаются привлечь внимание людей к экологически чистому строительству.

Наблюдать за развитием экологического дизайна и архитектуры очень интересно. И не удивительно, что все чаще, при оформлении своего интерьера или постройке дома, мы обращаемся к природной среде.

Экологическая архитектура – это направление в архитектуре и дизайне, когда в технологиях строительства и дизайне реализуется природные формы, отходные природные материалы и технологии. Используется природная энергия, что позволять существенно снизить бюджет строительства и эксплуатация проекта, и свести к минимуму затраты природных ресурсов [2].

Так же человек может создать для себя и экодизайн, который бы мог приблизить его к природе в домашних условиях. Экодизайн – это воплощение естественного желания человека максимально приблизить свою среду обитания, свой дом к естественным природным условиям [2].

Грамотное создание эко интерьера позволяет его обитателям ощутить единение с природой, почувствовать гармонию окружающего мира, насладиться спокойствием вне суеты большого города. Например, в Европе экодизайн существует с середины XX века и так же успешно развивается и по сей день. У них построены самые невероятные и смелые проекты, такие как: слияние жилища и природы, подземные дома, органический дом, дома на солнечных батареях, модульные дома, дома с искусственным интеллектом и много-много других.

В то время, когда Европа уверенно шагая, развивала новое направление в архитектуре, Россия же делала первые не смелые шаги, такие как планирование территорий озеленения советских городов и попытка к уменьшению влияния загрязнения промышленностью окружающей среды.

На сегодняшний день, к сожалению, в России реализованных проектов жизнеспособных зданий, экологичных, с применением контролируемых систем и прототипами «искусственного интеллекта» пока нет. Но, в настоящее время осуществляется программа строительства экопоселения в г. Новосибирске, и, несмотря на то, что она предусматривает лишь снижение нагрузки на окружающую среду, цель её постепенно достигается. Кроме того, в нашей стране проводятся деятельные попытки по проектированию городского ландшафта, реабилитации загрязнённых территорий, различным исследованиям в области экологического строительства и охраны окружающей среды.

Общие рассуждения по сохранению здоровой среды обитания необходимы для формирования экологического мировоззрения, но сегодня более важны специальные исследования и конкретные решения, адекватные трудноразрешимым проблемам наших поселений. Каждый воплощенный в России проект экологической реконструкции городского ландшафта, организации пространства с учетом экологических условий, восстановления водных объектов от загрязнения, проведения мониторинга состояния зеленых насаждений вызывает живой интерес, как специалистов, так и общества в целом. На данный момент экологических проектов реализовано довольно мало, и в России, и в зарубежных странах. Однако уже можно сказать, что первый шаг к формированию «жизнеспособности» и экологического мышления в архитектуре сделан.

Важно, чтобы концепция Земли как единого живого организма овладела умами миллионов людей, а для этого крайне необходимо вести образовательную и информационную деятельность внутри населения с целью сформирования экологического сознания Библиографический список

1. Панкина М.В., Захарова С.В. Экологический дизайн / учебное пособие, Издательство РГППУ, Екатеринбург. 2011г.

2. [Электронный ресурс]. Режим доступа: http://ru.wikipedia.org 3.[Электронный ресурс]. Режим доступа:

http://www.zelife.ru/ekozhil/ekodesign/3891-ecoarchitecture.html

–  –  –

Исследователи в области художественной культуры и искусства считают, что современный постиндустриальный мир, синтезируя жестко стратифицированную культурную реальность, провоцирует художников на создание принципиально новых форм в концептуальном искусстве. Как известно, постмодернистская цивилизация стимулирует непрерывное нарастание разлома между «бытием» и «сознанием». В этой ситуации современному автору становится все труднее игнорировать возрастающую амплитуду «колебаний» между бытием материи и бытием духа. Вакуум между этими двумя категориями неизбежно вызывает к жизни новые компромиссные, синтетические формы художественной деятельности. В этих условиях возникает художественная генерация – арт-дизайн [2].

Профессионалы знают о перспективности уровня арт-дизайн проработки интерьера. Этот уровень, формируемый долгие годы, постоянно совершенствуется, а его проработка способна кардинально изменить всю композиционную систему.

Обратимся к определению арт-дизайна. Арт-дизайн – (от лат. artis – искусство и англ, design от лат. designare – обозначать, определять назначение) – течение авангардного искусства, получившее распространение в 1980-х гг., главным образом в СССР и социалистических странах Восточной Европы. В композициях арт-дизайна соединялись приемы, авангардного изобразительного искусства и промышленного дизайна. Создавались странные произведения, составляемые из бытовых предметов, обломков механизмов, промышленных деталей, фрагментов политических плакатов, фотографий, манекенов, муляжей – в самых нелепых сочетаниях. Они были призваны выявить непривычные, нетрадиционные стороны обычных утилитарных вещей и, тем самым, вскрыть абсурдность, банальность массовой культуры социалистического общества, примитив политической агитации.



Pages:   || 2 | 3 |
Похожие работы:

«УДК 159.9:378 ББК 88.40 А 655 АНДРЕЕВА Алена Алексеевна СТРЕССОУСТОЙЧИВОСТЬ КАК ФАКТОР РАЗВИТИЯ ПОЗИТИВНОГО ОТНОШЕНИЯ К УЧЕБНОЙ ДЕЯТЕЛЬНОСТИ У СТУДЕНТОВ Специальность 19.00.07 педагогическая психология (пс...»

«СПЕЦИАЛЬНАЯ ПЕДАГОГИКА УДК 376.1–056.263 Л. М. Кобрина, Е. С. Хименкова Обучение неслышащих школьников после кохлеарной имплантации в условиях специальной (коррекционной) школы-интерната В статье рассматривается специфика обучения неслышащих школьников, которые перенесли процедуру...»

«СУРИФ Елена Альбертовна ПЕДАГОГИЧЕСКАЯ ТЕХНОЛОГИЯ КОРРЕКЦИИ СЕНСОРНОГО РАЗВИТИЯ ДОШКОЛЬНИКОВ С НАРУШЕНИЕМ ЗРЕНИЯ С ИСПОЛЬЗОВАНИЕМ LEGO-КОНСТРУКТОРА 13.00.03 – коррекционная педагогика АВТОРЕФЕРАТ диссертации на соискание ученой степени кандидата педагогических наук Екатеринбург 2007 Работа выполнена в ГОУ ВПО «Уральский государственный педаг...»

«МИНИСТЕРСТВО ОБРАЗОВАНИЯ РОССИЙСКОЙ ФЕДЕРАЦИИ АЛТАЙСКИЙ ГОСУДАРСТВЕННЫЙ УНИВЕРСИТЕТ ОСНОВЫ ТЕОРИИ ТЕКСТА Под редакцией А.А. Чувакина Рекомендовано Советом по филологии УМО по классическому университетскому образованию для студентов, обучающихся по направлению 520...»

«УДК 377 ПОДХОДЫ К МЕНЕДЖМЕНТУ УЧЕБНОЙ ИНФОРМАЦИИ © 2012 В. В. Жилин аспирант каф. французской филологии e-mail: volodya82@yandex.ru Курский государственный университет В с...»

«Управление культуры администрации Белгородского района Белгородской области Муниципальное образовательное учреждение дополнительного образования детей Веселолопанская детская школа искусств УТВЕРЖДАЮ: Д...»

«Муниципальное бюджетное нетиповое общеобразовательное учреждение «Гимназия № 62» МБ НОУ «Гимназия №62» УТВЕРЖДАЮ Программа рекомендована к Директор МБ НОУ « Гимназия №62» работе педагогическим О. В. Кол...»

«МИНИСТЕРСТВО ОБРАЗОВАНИЯ И НАУКИ РФ Федеральное государственное бюджетное образовательное учреждение высшего образования «Владимирский государственный университет имени Александра Григорьевича и Николая...»

«Государственное бюджетное образовательное учреждение города Москвы Школа № 1874 Дошкольное отделение « Радость » КОНСУЛЬТАЦИЯ «Инклюзивное образование в общеразвивающих группах дошкольного о...»

«Муниципальное бюджетное дошкольное образовательное учреждение детский сад комбинированного вида №46 Приложение №2 Принята в содержании Адаптированной образовательной программы МБДОУ д/с №46 Педагогическим советом П...»

«Одаренные дети дошкольного возраста XXI века: предпосылки, факторы и перспективы развития: материалы междунар. науч.-практ. конф. (17-18 сент. 2009 г.), 2009, 5983143522, 9785983143524, Образование, 2009 Опубликовано: 3rd June 2012 ...»

«АНАЛИЗ СОСТОЯНИЯ И ЭФФЕКТИВНОСТИ МЕТОДИЧЕСКОЙ РАБОТЫ В ШКОЛЕ ЗА 2015-2016 УЧЕБНЫЙ ГОД Цель анализа: определение уровня продуктивности методической работы в педагогическом сопровождении учителя в процессе его профессиональной деятельности и педагогической поддержке в соответствии с его профессиональными потребностями с целью достижен...»

«ЕЛАБУЖСКИЙ ГОСУДАРСТВЕННЫЙ ПЕДАГОГИЧЕСКИЙ УНИВЕРСИТЕТ КАФЕДРА ПСИХОЛОГИИ ЛЬДОКОВА Г.М. НЕГАТИВНЫЕ ПСИХИЧЕСКИЕ СОСТОЯНИЯ СТУДЕНТОВ В СИТУАЦИЯХ С НЕОПРЕДЕЛЕННЫМ ИСХОДОМ Елабуга – 2006 УДК 15 Печатается по решению редакционно-издательского совета ББК 88.3 Л 90 Елаб...»

«КЛИМОВА Елена Николаевна ПСИХОЛОГИЧЕСКАЯ ДЕТЕРМИНАЦИЯ ЛИЧНОСТНОГО КОНФЛИКТА В РАННЕМ ЮНОШЕСКОМ ВОЗРАСТЕ Специальность 19,00.11 психология личности АВТОРЕФЕРАТ диссертации на соискание ученой степени кандидата психологических наук Санкт-Петербург 2000 Работа выполнена на...»

«УДК 612.816.3(075.8) ББК 28.707.3я73 П77 Р е ц е н з е н т ы : кафедра основ специальной педагогики и психологии УО «Белорусский государственный педагогический университет им. М. Танка» (кандидат медицинских наук,...»

«СОЦИОЛОГИЧЕСКИЕ НАУКИ Психологические науки _ _ _ Psycological sciences 61 ТЕОРИЯ И ПРАКТИКА ОБЩЕСТВЕННОГО РАЗВИТИЯ (2012, № 7) 62 ПСИХОЛОГИЧЕСКИЕ НАУКИ УДК 37.013.77 Духновск...»

«Министерство образования и науки РФ ФГАОУ ВО «Нижегородский государственный университет им. Н.И. Лобачевского» Научно-исследовательский комитет Российского общества социологов «Социология труда» Центр исследований социально-трудовой сферы Социологического института РАН Межрегиональная...»

«Управление образования администрации МО ГО « Сыктывкар» Муниципальное учреждение дополнительного образования «Детский (подростковый) центр Олимп»Принята Утверждаю: Педагогическим советом Директор МУ ДО «ДПЦ Проток...»

«№4(119), 2014 ІНФОРМАЦІЙНА БЕЗПЕКА ФІЛОСОФІЯ ОСВІТИ Журнал засновано в березні 1993 року Біографічне навчання у післядипломнійпедагогічній освіті.Частина 2: Потенціал для професійного розвитку вчителя ВИДАВЦІ: Литвинюк Л. В. Департамент освіти і науки Полтавської обласної державної адміністрації МАТЕРІАЛИ «КРУГЛОГО СТОЛУ»...»

«Жизненный и творческий путь Ф. М. Достоевского Мировоззрение писателя и связь его творчества с русской действительностью 10 Литература Крюков С. Д., учитель русского языка и литературы класс Содержание Цель урока Федор Михайлович Достоевский Эпиг...»

«Информатика ИНФОРМАТИКА Автор: Семенова Ангелина Юрьевна ученица 9 класса Руководитель: Гоготова Юлия Владимировна учитель информатики КОУ ВО «Школа-интернат №1 для детей сирот, и детей оставшихся без попечения родителей» г. Воронеж, Воронежская область ИСТОРИЯ СЧЕТА И СИСТЕМ СЧИСЛЕНИЯ Аннотация: в...»

«II. Аннотация Рабочая программа составлена по дисциплине: Психология» в соответствии с требованиями ФГОС ВПО по направлению 050100.62 «Педагогическое образование», 1-4 курсы. Цели и задачи дисциплины Целями освоения дисциплины «Психология» являются: формирование целостного представления о психологических особенностях...»

«Титульный лист Форма рабочей учебной программы Ф СО ПГУ 7.18.3/30 Министерство образования и науки Республики Казахстан Павлодарский государственный университет им. С. Торайгырова Кафедра психологии и педагогики (наименование кафедры) РАБОЧАЯ УЧЕБНАЯ ПРОГРАММА Дисциплины Общая психология название дисциплины для студентов спе...»

«Секция 8. Социология детства Базина О. А., Дымарская О. Я. Колесникова Е. Ю., Москва Семья и детство в воспоминаниях одаренной молодежи Аннотация В статье приводятся некоторые результаты исследования жизненных трае...»

«Реброва Ирина Николаевна МИР РЕБЕНКА В ПРОИЗВЕДЕНИИ Л. Н. ТОЛСТОГО ДЕТСТВО: К ХАРАКТЕРУ РИТМА ПРОЗАИЧЕСКОГО ТЕКСТА Статья предлагает по-новому взглянуть на самый прекрасный промежуток времени в жизни большинства людей детство, на то время, когда весь мир прекрасен и добр, когда любая неприятност...»

«СОЮЗ ПЕДИАТРОВ РОССИИ ФЕДЕРАЛЬНЫЕ КЛИНИЧЕСКИЕ РЕКОМЕНДАЦИИ ПО ОКАЗАНИЮ МЕДИЦИНСКОЙ ПОМОЩИ ДЕТЯМ С РАССЕЯННЫМ СКЛЕРОЗОМ 2013 г.ОГЛАВЛЕНИЕ МЕТОДОЛОГИЯ ОПРЕДЕЛЕНИЕ ЭПИДЕМИОЛОГИЯ ЭТИОЛОГИЯ ПАТОГЕНЕЗ КЛАССИФИКАЦИЯ КЛИНИЧЕСКАЯ КАРТИНА ДИАГНОСТИКА ПРИМЕРЫ ДИАГНОЗОВ ЛЕЧЕНИЕ ЛЕЧЕНИЕ ОБОСТРЕНИЙ РС...»

«Ярослав Гераськин Директор по консалтингу ЗАО «БЭФЛ» Крупные сделки и сделки с заинтересованностью Понятие крупной сделки Ст. 78 ФЗ «Об акционерных обществах» Крупной сделкой считается сделка (в том числе заем, кредит, залог, поручительство) или несколько взаимосвязанных сделок, связанных с приобретением, отчужде...»








 
2017 www.pdf.knigi-x.ru - «Бесплатная электронная библиотека - разные матриалы»

Материалы этого сайта размещены для ознакомления, все права принадлежат их авторам.
Если Вы не согласны с тем, что Ваш материал размещён на этом сайте, пожалуйста, напишите нам, мы в течении 1-2 рабочих дней удалим его.